4.14.2011
El Comandante Intergaláctico y su violín mágico
Recomendamos este nuevo programa radial en homenaje a Jorge Pinchevsky que va todos los viernes por Radio Difusión de Berisso, donde Pin también realizara programas radiales.
11.11.2010
La Primera Flor..., 40 años después
Hace aproximadamente dos años, me sentí de alguna manera responsable, o mejor dicho autor intelectual en complicidad con Carlitos Mariño, del delito de que esta tremenda banda rockera ensenadense de los 70, volviera al ruedo. En posteos de 2 años atrás encontraremos data de ellos. Ellos después de una muy buena presentación en el Taetro Municipal de Ensenada, nos generaron muchas expectativas, aunque luego se separasen, pero no hace mucho volvieron silenciosamente a juntarse y ensayar. Hoy la sorpresa me la dio Jorgito Cantoni, el baterista de La Primera Flor, que me trajo como obsequio el disco que lograron grabar y que me parece estupendo, en ese estilo que combinan el rock, el blues y el candombe, eso que ellos llaman el rockandombe, un estilo muy de la Ensenada de Barragán, donde la impronta caboverdeana fue muy fuerte, combinándose con el rock que emergía allá en los setenta en esta región portuaria.
Les recomiendo conseguirse el disco, escribiéndole a laprimeraflor@hotmail.com
4.03.2010
"Guitarras contra la Guerra"" 2 Notas a Billy Bond, realizadas por la Revista JV (1967)
UN PERSONAJE FUERA DE SERIE QUE PODRÍA HABER SALIDO DE LA PELÍCULA "HELP!
“¡Hola! ¿Cómo viene la mano?". Billy Bond saluda siempre con esa frase. Puede ser que la mano venga "de arriba y con fuerza" (signo de que las cosas marchan bien) o "de abajo y liviana" (signo de todo lo contrario). Pero a los cinco minutos de hablar con él las palabras ya no funcionan como todos los días. "Hacete un venite hasta el ensayo. Vas a ver qué misterioso viene". Y sin embargo no hay problemas para entenderse. El mundo de Billy se comunica, es cariñoso, original, enseguida conquista. Es un mundo donde cualquiera (por lo menos cualquier JV) se siente cómodo.
— ¿Cuáles son las cosas que más querés, Billy?
— John Lennon, Paul McCartney, Ray Charles, los pantalones "bondi", las milanesas a la napolitana. Todo lo moderno.
— ¿Qué tienen de moderno las milanesas a la napolitana?
— Bueno, ¡pobre de vos si llegan a ser antiguas!
— ¿Cómo son los pantalones "bondi"?
— Los que uso ahora: ajustados hasta pasar la rodilla y muy anchos abajo, acampanados. Es una mano que vino de Londres.
— ¿Cómo es lo moderno? ¿Cómo lo reconocés?
— Muy fácil. Es todo lo que sea ir para adelante y crear cosas nuevas.
— ¿A las cosas viejas hay que destruirlas?
— No, hay que restaurarlas, como a los cuadros. Tienen que dar paso a las cosas nuevas y admitirlas, pero también tienen su valor.
Además, no hay que dejarse confundir por la época. Ahí lo tenés a Gardel, por ejemplo. Es moderno, tiene un swing bárbaro. ¿No lo escuchaste nunca a Gardel?
Además de los pantalones "bondi", Billy tiene puesta una camisa verde brillante y en el reloj usa el famoso "cinturino" gigante, la correa anchísima que ahora está en onda. Interrumpe el diálogo para "hacerse un venite" hasta donde ensayan "Los Maquis", su cuarteto acompañante. Entonces se convierte en todos los instrumentos. Salta de la guitarra eléctrica a la guitarra criolla, tararea, marca el ritmo de la batería con las manos y los pies, hace los ruidos más raros y gráficos. "Bum-da dao", "bam-bam-bam", "un, dos, tres, cuatro, yeah” “poum-poum-poum”. Después vuelve. Sonriendo, bien educado, al parecer nada "rebelde".
— ¿Cuáles son las cosas que te resultan más difíciles de hacer?
— Levantarme temprano. Bailar. Las reuniones de familia. Vestirme como todo el mundo.
— ¿Qué es lo que más recordás de tu infancia?
— Una pelota gigante que se me cayó al mar cuando venía de Italia a los cinco años (juro que es cierto).
— ¿Es verdad que una vez te teñiste el pelo para parecerte a Elvis Presley?
— Sí. Total, nadie podía darse cuenta. Porque ¿quién se va a teñir el pelo de negro? Únicamente un loco.
— ¿Qué es lo que más récordás del mes pasado?
— Que en Brasil una piba me hizo apagar el cigarrillo en una carpeta donde tenía nada menos que una foto de Roberto Carlos. Y conste que decir allá Roberto Carlos es como decir "Brasil" a secas.
— ¿Los brasileños no te quisieron comer cuando te oyeron cantar en español las cosas de é!?
— Al contrario, los chicos trataban de cantar como yo y les causaba mucha gracia la pronunciación. Considerando que no me conocían, fue un éxito completo. Me haré otro venite dentro de un par de meses para actuar en Sao Paulo en el show de Edoardo Araujo.
— ¿Tenes auto?
— ¿Y a vos cómo te gustaría que lo tuviera?
— Se dice que te vas a comprar uno y lo vas a pintar como Los Beatles.
— Estoy por tener un Mercedes sport con grandes faros. Pero solamente le voy a pintar dos grandes escudos pop en las puertas.
— Háceme un inventario de tu vestuario.
— Tres pares de botas de taco alto (dos de media caña y uno de vaqueras). Un traje militar tipo Mao. Un traje de chaqueta larga de diez botones y pantalones "bondi". Otros dos pantalones "bondi". Un piyama y dieciocho camisas de colores.
— ¿Qué pensás del último LP de Los Beatles?
— Viva John Lennon.
— Decí algo más.
— "Cuando tenga 64 años".
— ¿Fumas mucho?
— Sí, cuando fumo.
— ¿Bebés mucho?
— Sólo coca-cola y naranjada.
— ¿Cuál es tu personaje de historietas favorito?
— El primo inventor del Pato Donald.
— Hablanos de la bomba que está por explotar en la plaza en cuanto la banda pase.
— ¿Me querés hacer un colaborando para que me compren el disco? Bueno, así se llama tema que traje de Brasil y que en este momento voy a grabar. Según dice la letra, "la bomba es la guerra, miseria y destrucción", y eso está de acuerdo con la mano en la que estoy ahora. Fíjate lo que dice en mi viola: "Guitarras contra la guerra".
— ¿Lo copiaste de tus paisanos italianos?
— Sí. Acá no hay guerra, pero esto es como una especie de vacuna. La juventud del mundo está en esta campaña, y yo también lo estoy.
— ¿Crees que las canciones pueden cambiar el mundo?
— No del todo, pero sí mejorarlo.
La grabación empieza y nos batimos en retirada. Ahora sí que" la bomba de la plaza está por explotar en cualquier momento. Pero por suerte en forma de hit musical.
Quien no conoce a Billy Bond no sabe sin duda lo que es la franqueza, la sinceridad: Sentado ante nuestra mesa de trabajo en conversación amena y sin protocolo, fuimos penetrando en su mundo, no el rebelde y desprejuiciado sino en el auténtico, el de la humildad, el del trabajo, el de la sencillez.
Billy Bond no es un novato, le llevó años imponer su estilo, brindándose con toda el alma por conseguirlo y a fe que lo ha logrado. Es de los pioneros, de los que debían jugarse en la calle, o ante el público de un teatro para imponer una nueva modalidad. Una modalidad que de ningún modo era rebeldía para con la sociedad, sino una forma de vivir, de sentir, de brindarse y realizarse por su propia determinación. Pero no nos pongamos serios que el motivo de esta nota es el de dar un pantallazo sobre sus actividades, tal como sus "fans" lo solicitan. Mucha televisión, Escala Musical en Canal 11, Galanterías en el 9, pero lo que demuestra su popularidad, es que en estos momentos en un teleteatro, (Con Venganza), también en Canal 9, Emilio Ariño encarna a Billy Bond e incluso canta uno de sus temas. Para el disco, su último hit, "Judy disfrazada en la calle" que indica su constante renovación, esta alcanza también a su acompañamiento que está compuesto ahora de ocho músicos, cuatro más que antes. El equipo amplificador, los micrófonos y parte del decorado con que actúa son suyos, montar su espectáculo cuesta en estos momentos alrededor de $ 1.500.000 lo que da una idea de la importancia de sus presentaciones. ¡Adelante Billy! Sigue así, que más que tus triunfos lo que te admiramos es la lealtad que tienes contigo.
“¡Hola! ¿Cómo viene la mano?". Billy Bond saluda siempre con esa frase. Puede ser que la mano venga "de arriba y con fuerza" (signo de que las cosas marchan bien) o "de abajo y liviana" (signo de todo lo contrario). Pero a los cinco minutos de hablar con él las palabras ya no funcionan como todos los días. "Hacete un venite hasta el ensayo. Vas a ver qué misterioso viene". Y sin embargo no hay problemas para entenderse. El mundo de Billy se comunica, es cariñoso, original, enseguida conquista. Es un mundo donde cualquiera (por lo menos cualquier JV) se siente cómodo.
— ¿Cuáles son las cosas que más querés, Billy?
— John Lennon, Paul McCartney, Ray Charles, los pantalones "bondi", las milanesas a la napolitana. Todo lo moderno.
— ¿Qué tienen de moderno las milanesas a la napolitana?
— Bueno, ¡pobre de vos si llegan a ser antiguas!
— ¿Cómo son los pantalones "bondi"?
— Los que uso ahora: ajustados hasta pasar la rodilla y muy anchos abajo, acampanados. Es una mano que vino de Londres.
— ¿Cómo es lo moderno? ¿Cómo lo reconocés?
— Muy fácil. Es todo lo que sea ir para adelante y crear cosas nuevas.
— ¿A las cosas viejas hay que destruirlas?
— No, hay que restaurarlas, como a los cuadros. Tienen que dar paso a las cosas nuevas y admitirlas, pero también tienen su valor.
Además, no hay que dejarse confundir por la época. Ahí lo tenés a Gardel, por ejemplo. Es moderno, tiene un swing bárbaro. ¿No lo escuchaste nunca a Gardel?
Además de los pantalones "bondi", Billy tiene puesta una camisa verde brillante y en el reloj usa el famoso "cinturino" gigante, la correa anchísima que ahora está en onda. Interrumpe el diálogo para "hacerse un venite" hasta donde ensayan "Los Maquis", su cuarteto acompañante. Entonces se convierte en todos los instrumentos. Salta de la guitarra eléctrica a la guitarra criolla, tararea, marca el ritmo de la batería con las manos y los pies, hace los ruidos más raros y gráficos. "Bum-da dao", "bam-bam-bam", "un, dos, tres, cuatro, yeah” “poum-poum-poum”. Después vuelve. Sonriendo, bien educado, al parecer nada "rebelde".
— ¿Cuáles son las cosas que te resultan más difíciles de hacer?
— Levantarme temprano. Bailar. Las reuniones de familia. Vestirme como todo el mundo.
— ¿Qué es lo que más recordás de tu infancia?
— Una pelota gigante que se me cayó al mar cuando venía de Italia a los cinco años (juro que es cierto).
— ¿Es verdad que una vez te teñiste el pelo para parecerte a Elvis Presley?
— Sí. Total, nadie podía darse cuenta. Porque ¿quién se va a teñir el pelo de negro? Únicamente un loco.
— ¿Qué es lo que más récordás del mes pasado?
— Que en Brasil una piba me hizo apagar el cigarrillo en una carpeta donde tenía nada menos que una foto de Roberto Carlos. Y conste que decir allá Roberto Carlos es como decir "Brasil" a secas.
— ¿Los brasileños no te quisieron comer cuando te oyeron cantar en español las cosas de é!?
— Al contrario, los chicos trataban de cantar como yo y les causaba mucha gracia la pronunciación. Considerando que no me conocían, fue un éxito completo. Me haré otro venite dentro de un par de meses para actuar en Sao Paulo en el show de Edoardo Araujo.
— ¿Tenes auto?
— ¿Y a vos cómo te gustaría que lo tuviera?
— Se dice que te vas a comprar uno y lo vas a pintar como Los Beatles.
— Estoy por tener un Mercedes sport con grandes faros. Pero solamente le voy a pintar dos grandes escudos pop en las puertas.
— Háceme un inventario de tu vestuario.
— Tres pares de botas de taco alto (dos de media caña y uno de vaqueras). Un traje militar tipo Mao. Un traje de chaqueta larga de diez botones y pantalones "bondi". Otros dos pantalones "bondi". Un piyama y dieciocho camisas de colores.
— ¿Qué pensás del último LP de Los Beatles?
— Viva John Lennon.
— Decí algo más.
— "Cuando tenga 64 años".
— ¿Fumas mucho?
— Sí, cuando fumo.
— ¿Bebés mucho?
— Sólo coca-cola y naranjada.
— ¿Cuál es tu personaje de historietas favorito?
— El primo inventor del Pato Donald.
— Hablanos de la bomba que está por explotar en la plaza en cuanto la banda pase.
— ¿Me querés hacer un colaborando para que me compren el disco? Bueno, así se llama tema que traje de Brasil y que en este momento voy a grabar. Según dice la letra, "la bomba es la guerra, miseria y destrucción", y eso está de acuerdo con la mano en la que estoy ahora. Fíjate lo que dice en mi viola: "Guitarras contra la guerra".
— ¿Lo copiaste de tus paisanos italianos?
— Sí. Acá no hay guerra, pero esto es como una especie de vacuna. La juventud del mundo está en esta campaña, y yo también lo estoy.
— ¿Crees que las canciones pueden cambiar el mundo?
— No del todo, pero sí mejorarlo.
La grabación empieza y nos batimos en retirada. Ahora sí que" la bomba de la plaza está por explotar en cualquier momento. Pero por suerte en forma de hit musical.
Quien no conoce a Billy Bond no sabe sin duda lo que es la franqueza, la sinceridad: Sentado ante nuestra mesa de trabajo en conversación amena y sin protocolo, fuimos penetrando en su mundo, no el rebelde y desprejuiciado sino en el auténtico, el de la humildad, el del trabajo, el de la sencillez.
Billy Bond no es un novato, le llevó años imponer su estilo, brindándose con toda el alma por conseguirlo y a fe que lo ha logrado. Es de los pioneros, de los que debían jugarse en la calle, o ante el público de un teatro para imponer una nueva modalidad. Una modalidad que de ningún modo era rebeldía para con la sociedad, sino una forma de vivir, de sentir, de brindarse y realizarse por su propia determinación. Pero no nos pongamos serios que el motivo de esta nota es el de dar un pantallazo sobre sus actividades, tal como sus "fans" lo solicitan. Mucha televisión, Escala Musical en Canal 11, Galanterías en el 9, pero lo que demuestra su popularidad, es que en estos momentos en un teleteatro, (Con Venganza), también en Canal 9, Emilio Ariño encarna a Billy Bond e incluso canta uno de sus temas. Para el disco, su último hit, "Judy disfrazada en la calle" que indica su constante renovación, esta alcanza también a su acompañamiento que está compuesto ahora de ocho músicos, cuatro más que antes. El equipo amplificador, los micrófonos y parte del decorado con que actúa son suyos, montar su espectáculo cuesta en estos momentos alrededor de $ 1.500.000 lo que da una idea de la importancia de sus presentaciones. ¡Adelante Billy! Sigue así, que más que tus triunfos lo que te admiramos es la lealtad que tienes contigo.
2.16.2010
Cultura pop y cultura rock
Pareciera que con el transcurso de los años, hubiera términos que cambian de sentido. Hoy hablar del pop, para un rockero suena de alguna forma, bastante peyorativo, pero esto no era así en la década del sesenta.
Es verdad que hasta aquí hemos hablado de la cultura rock como un movimiento contracultural que cuestionaba muchos de los cimientos del sistema, pero no habíamos ahondado en el impacto de la cultura pop como emergente principal sin el cual la anterior no hubiera sido posible. Vamos a hacer una salvedad necesaria y enunciar que lo que se denominaba cultura pop en verdad no tenía nada que ver con lo que hoy se denomina así, es decir que el pop no era el mainstream. En aquel tiempo no hablábamos de este último sino de lo comercial y lo complaciente, pero esto no era equiparable a lo que se denominaba pop.
Las concepciones culturales nunca son ajenas a los contextos sociopolíticos. Esto pareciera una obviedad pero vale la pena subrayarlo. El cuestionamiento al establishment realizado por los jóvenes de los sesenta y los setenta, no era solamente un hecho subjetivo, sino que se expresaba como una realidad concreta y tangible, donde la revolución, en sentido amplio, era un paradigma bastante generalizado, y donde las masas comenzaban a tener un protagonismo privilegiado. En el tiempo que nos separa puedo percibir que muchos habíamos hecho de las masas, nuestro dios, y esto no poseía solamente un correlato político sino también una impronta muy fuerte en la cultura popular, y en todo un desarrollo de una tendencia estética que cuestionaba a la cultura de las elites. En el tiempo también pude evaluar que los adoradores de las masas éramos también algo así como una elite, pero de nuevo tipo, una elite que quería cambiar el mundo.
Repitiendo que la cultura pop no era el mainstream, podríamos afirmar que era de alguna forma su opuesto.
Para definir este fenómeno surgido principalmente en los sesenta, debemos partir de varios elementos a partir de los cuales fue posible, para yuxtaponerlos, realizar un patchwork, una almazuela, que no debe ser ordenada dogmáticamente, ya que de los que estamos hablando de dogmático tenía muy poco.
Como elementos a tener en cuenta debemos referirnos a la cultura popular y/o de masas, al pop-art, a las grandes revueltas masivas de aquel tiempo como fueron el mayo francés, el otoño caliente italiano, la revolución cultural china, el movimiento pacifista de los EEUU, el cordobazo argentino, etc.
De alguna forma el surgimiento de la cultura pop era el resultado predicho por Walter Benjamin, en la década del 30, al referirse al desarrollo de las fuerzas productivas y a la obra de arte en la era de la reproductibilidad técnica. Benjamin a partir de vislumbrar la reproducción al infinito de una obra de arte, desprendía que esta estaba condenada a su desaparición como tal. La obra de arte era la producción de una elite y su lugar en la sociedad era completamente limitado, pero su implosión produciría una liberación de sus componentes que se expandiría en lo social, creando nuevas estéticas alejadas de los sitios convencionales donde el arte se exponía, y de donde a su vez adquiría su estatus.
Para ser más precisos, si la obra de arte estaba circunscripta a un reducido sitio poligonal cerrado, como lo es un cuadro o un museo, su estallido produciría su expansión a todos los esquineros de la trama social, haciendo que los elementos estéticos aparezcan ahí donde antes no se los había tenido en cuenta.
La cultura pop era un emergente multifacético, multidisciplinario en un momento donde el componente de masas estaba sujeto a una radicalización constante. El rock, el soul, el reggae eran el resultado del surgimiento de esta cultura pop, y en este sentido obviamente no se restringían a ser exclusivamente simples géneros musicales, y se articulaban a diferentes expresiones estéticas al igual como lo había hecho el Pop Art. Sin dudas que la cultura del rock va a alcanzar algunos elementos particulares que son los que le van a dar autonomía, pero no hay que desconocer de donde surgió. Uno de los elementos principales por los cuales vale hacer la distinción es sin dudas saber que sin psicodelia no hay rock, y por otro lugar tener en cuenta que en momentos de reflujo revolucionario al pop se lo fagocita el sistema y que la cultura rock en este sentido debe mantener su independencia, cosa que no es del todo obvia, ya que también hay rock que se vuelve parte del mainstream y pierde su esencia.
La cultura pop si de alguna forma tuvo algún resurgimiento tendríamos que afirmar que en nuestro país a partir de diciembre de 2001, se produjeron experiencias muy interesantes de recuperación de espacios públicos y de construcción de centros culturales que reavivaron la llama de esta cultura de combinar diferentes disciplinas y hacer de la calle, el ámbito preponderante, pero como habíamos dicho anteriormente todo esto depende principalmente de la sensibilidad y el humor social, y del entroncamiento de ciertas vanguardias estéticas con lo popular, en momentos históricos muy precisos.
Las concepciones culturales nunca son ajenas a los contextos sociopolíticos. Esto pareciera una obviedad pero vale la pena subrayarlo. El cuestionamiento al establishment realizado por los jóvenes de los sesenta y los setenta, no era solamente un hecho subjetivo, sino que se expresaba como una realidad concreta y tangible, donde la revolución, en sentido amplio, era un paradigma bastante generalizado, y donde las masas comenzaban a tener un protagonismo privilegiado. En el tiempo que nos separa puedo percibir que muchos habíamos hecho de las masas, nuestro dios, y esto no poseía solamente un correlato político sino también una impronta muy fuerte en la cultura popular, y en todo un desarrollo de una tendencia estética que cuestionaba a la cultura de las elites. En el tiempo también pude evaluar que los adoradores de las masas éramos también algo así como una elite, pero de nuevo tipo, una elite que quería cambiar el mundo.
Repitiendo que la cultura pop no era el mainstream, podríamos afirmar que era de alguna forma su opuesto.
Para definir este fenómeno surgido principalmente en los sesenta, debemos partir de varios elementos a partir de los cuales fue posible, para yuxtaponerlos, realizar un patchwork, una almazuela, que no debe ser ordenada dogmáticamente, ya que de los que estamos hablando de dogmático tenía muy poco.
Como elementos a tener en cuenta debemos referirnos a la cultura popular y/o de masas, al pop-art, a las grandes revueltas masivas de aquel tiempo como fueron el mayo francés, el otoño caliente italiano, la revolución cultural china, el movimiento pacifista de los EEUU, el cordobazo argentino, etc.
De alguna forma el surgimiento de la cultura pop era el resultado predicho por Walter Benjamin, en la década del 30, al referirse al desarrollo de las fuerzas productivas y a la obra de arte en la era de la reproductibilidad técnica. Benjamin a partir de vislumbrar la reproducción al infinito de una obra de arte, desprendía que esta estaba condenada a su desaparición como tal. La obra de arte era la producción de una elite y su lugar en la sociedad era completamente limitado, pero su implosión produciría una liberación de sus componentes que se expandiría en lo social, creando nuevas estéticas alejadas de los sitios convencionales donde el arte se exponía, y de donde a su vez adquiría su estatus.
Para ser más precisos, si la obra de arte estaba circunscripta a un reducido sitio poligonal cerrado, como lo es un cuadro o un museo, su estallido produciría su expansión a todos los esquineros de la trama social, haciendo que los elementos estéticos aparezcan ahí donde antes no se los había tenido en cuenta.
La cultura pop era un emergente multifacético, multidisciplinario en un momento donde el componente de masas estaba sujeto a una radicalización constante. El rock, el soul, el reggae eran el resultado del surgimiento de esta cultura pop, y en este sentido obviamente no se restringían a ser exclusivamente simples géneros musicales, y se articulaban a diferentes expresiones estéticas al igual como lo había hecho el Pop Art. Sin dudas que la cultura del rock va a alcanzar algunos elementos particulares que son los que le van a dar autonomía, pero no hay que desconocer de donde surgió. Uno de los elementos principales por los cuales vale hacer la distinción es sin dudas saber que sin psicodelia no hay rock, y por otro lugar tener en cuenta que en momentos de reflujo revolucionario al pop se lo fagocita el sistema y que la cultura rock en este sentido debe mantener su independencia, cosa que no es del todo obvia, ya que también hay rock que se vuelve parte del mainstream y pierde su esencia.
La cultura pop si de alguna forma tuvo algún resurgimiento tendríamos que afirmar que en nuestro país a partir de diciembre de 2001, se produjeron experiencias muy interesantes de recuperación de espacios públicos y de construcción de centros culturales que reavivaron la llama de esta cultura de combinar diferentes disciplinas y hacer de la calle, el ámbito preponderante, pero como habíamos dicho anteriormente todo esto depende principalmente de la sensibilidad y el humor social, y del entroncamiento de ciertas vanguardias estéticas con lo popular, en momentos históricos muy precisos.
2.07.2010
Algunas precisiones
Si entendemos al rock no como un simple género musical, y a su surgimiento no como la aplicación genérica de cualquier movimiento musical creado como mercancía, por la maquinaria discográfica, y por lo tanto sujeto a ser envasado y extendido en el mercado. Si entendemos al rock como una cultura, una filosofía, una actitud crítica ante el mundo y una manera diferente de entender la vida, si lo entendemos de esa manera, su historia debe ser coherente con su esencia, y no hacerla como si se tratara de una mercancía más, como si lo fueron muchos estilos complacientes, que no perduraron mucho más allá del tiempo en el cual surgieron.
En este sentido expuesto, el rock, su historia, es la de un movimiento contracultural múltiple que emergía a mediados de los 60, y que si bien podía haber muchos factores comunes, lo emergente en el Río de La Plata contaba con particularidades tanto autónomas como obvias, en contraposición a lo que se desarrollaba en este sentido en el hemisferio norte. Nosotros contábamos con particularidades propias no sólo en aquel presente, sino también en nuestro pasado, con una historia tanto política como cultural muy diferente y obviamente con una perspectiva de futuro distinta.
La historia del rock como una mercancía, podría tener en cuenta lo expuesto solamente como un telón de fondo, pero no como lo principal. Esta historia privilegia el nombre de los grupos musicales, sus discografías, sus grandes actuaciones, es decir todo lo relacionado a la mercantilización del rock. Creo que no son datos para subestimar, pero escribir una historia del rock desde su propia visión, considero que es otra cosa, que tal vez se parezca mucho más a una antropología cultural de aquel movimiento.
La historia del rock incluye a sus mitos, a los que estaban por detrás de la escena, pero sobre todo a todo un espectro de manifestaciones culturales ajenas a la música misma, pero que confluían en una sola totalidad.
En este sentido expuesto, el rock, su historia, es la de un movimiento contracultural múltiple que emergía a mediados de los 60, y que si bien podía haber muchos factores comunes, lo emergente en el Río de La Plata contaba con particularidades tanto autónomas como obvias, en contraposición a lo que se desarrollaba en este sentido en el hemisferio norte. Nosotros contábamos con particularidades propias no sólo en aquel presente, sino también en nuestro pasado, con una historia tanto política como cultural muy diferente y obviamente con una perspectiva de futuro distinta.La historia del rock como una mercancía, podría tener en cuenta lo expuesto solamente como un telón de fondo, pero no como lo principal. Esta historia privilegia el nombre de los grupos musicales, sus discografías, sus grandes actuaciones, es decir todo lo relacionado a la mercantilización del rock. Creo que no son datos para subestimar, pero escribir una historia del rock desde su propia visión, considero que es otra cosa, que tal vez se parezca mucho más a una antropología cultural de aquel movimiento.
La historia del rock incluye a sus mitos, a los que estaban por detrás de la escena, pero sobre todo a todo un espectro de manifestaciones culturales ajenas a la música misma, pero que confluían en una sola totalidad.
1.23.2010
PR
Patricio Rey, o Palmiro Reyna o como quiera que lo llamen, en verdad nunca fue más que su nombre de combate. Su verdadera identidad era extremadamente clandestina, como correspondía necesariamente a una época donde sacar la cabeza, era casi equiparable a ser decapitado. Tal vez aquel tiempo ya pasó y hoy nuestro personaje podría revelar quien era verdaderamente, o para ser más precisos, quienes eran, porque no era sólo uno.
Tal vez eso nos quieran hacer creer, diciéndonos que el mundo cambió demasiado y que aquellas viejas mañas como ser clandestino, hoy pasaron a ser piezas de museo. Seguramente el mundo cambió, pero no creo que tanto como para que nuestro personaje, las personas que lo encarnaron, abandonen la clandestinidad, y solamente creo que debiera ser conocido por quienes realmente comprenden el porqué de su existencia. Ser artífice del rock en aquel tiempo de los setenta, era estar haciendo la revolución, con la complejidad propia de estar haciéndola en el Río de La Plata, donde los aparatos represivos estaban muy aceitados para exterminar no solamente a las organizaciones revolucionarias armadas sino a cualquier expresión que se manifieste como contracultural. El Blues del terror azul, o Adonde está la libertad, o temas similares, que hubieron bastantes, marcan una diferencia abismal entre la movida local del rock con la del hemisferio norte.
PR era capaz de refugiarse en la frontera, y vivir ahí como pez en el agua, conviviendo en el circuito de los brujos, aprendiendo de ellos un conocimiento bastante importante sobre la utilización de yuyos medicinales, pero también realizar experiencias no ordinarias con hongos alucinógenos, al mejor estilo de lo que nos describe Castaneda en las Enseñanzas de Don Juan.
Pero PR esporádicamente regresaba a la ciudad organizaba un evento e inmediatamente volvía a las sombras.
El era de los que se la sabían todas, típico personaje rioplatense que pelaba el peine del bolsillo de atrás del pantalón, se peinaba y encaraba a una minita.
El nombre de combate no era cualquier nombre sino uno que se utilizaba como gastada, como burla, a alguien que aparentemente, sí se llamaba así y que en realidad era un grasa, o un mersa como le decíamos en aquel entonces. Incluso por lo que parece el que se llamaba así era un músico de cumbia sesentista, con el pelo largo y teñido que tocaba en el viejo Rancho de Goma de la 122 entre 60 y 61, enfrente del bosque, que era un pequeño antro de trampa, en un tiempo donde no existían los empresarios bailanteros.
Tal vez eso nos quieran hacer creer, diciéndonos que el mundo cambió demasiado y que aquellas viejas mañas como ser clandestino, hoy pasaron a ser piezas de museo. Seguramente el mundo cambió, pero no creo que tanto como para que nuestro personaje, las personas que lo encarnaron, abandonen la clandestinidad, y solamente creo que debiera ser conocido por quienes realmente comprenden el porqué de su existencia. Ser artífice del rock en aquel tiempo de los setenta, era estar haciendo la revolución, con la complejidad propia de estar haciéndola en el Río de La Plata, donde los aparatos represivos estaban muy aceitados para exterminar no solamente a las organizaciones revolucionarias armadas sino a cualquier expresión que se manifieste como contracultural. El Blues del terror azul, o Adonde está la libertad, o temas similares, que hubieron bastantes, marcan una diferencia abismal entre la movida local del rock con la del hemisferio norte.
PR era capaz de refugiarse en la frontera, y vivir ahí como pez en el agua, conviviendo en el circuito de los brujos, aprendiendo de ellos un conocimiento bastante importante sobre la utilización de yuyos medicinales, pero también realizar experiencias no ordinarias con hongos alucinógenos, al mejor estilo de lo que nos describe Castaneda en las Enseñanzas de Don Juan.
Pero PR esporádicamente regresaba a la ciudad organizaba un evento e inmediatamente volvía a las sombras.
El era de los que se la sabían todas, típico personaje rioplatense que pelaba el peine del bolsillo de atrás del pantalón, se peinaba y encaraba a una minita.
El nombre de combate no era cualquier nombre sino uno que se utilizaba como gastada, como burla, a alguien que aparentemente, sí se llamaba así y que en realidad era un grasa, o un mersa como le decíamos en aquel entonces. Incluso por lo que parece el que se llamaba así era un músico de cumbia sesentista, con el pelo largo y teñido que tocaba en el viejo Rancho de Goma de la 122 entre 60 y 61, enfrente del bosque, que era un pequeño antro de trampa, en un tiempo donde no existían los empresarios bailanteros.
12.06.2009
El Valle del Tiempo- Nuevo programa radial
En el valle del Tiempo, todos los tiempos confluyen en una sola totalidad, es el lugar donde el pasado, el futuro y el presente no se diferencian, y donde además intentaremos rescatar la música y la filosofía, que nos iluminaron, en aquel centro gravitatorio sin igual, de fines de los sesenta en adelante.
A partir del domingo 13 de diciembre arrancará El Valle del Tiempo, por Radioparque FM 92.9 “La Verde”, y será todos los domingos de 22 a 24.
El programa surge como una iniciativa conjunta con Carlitos Mariño, quién además de ser el dueño de la radio, es uno de los pioneros del rock en la región de La Plata, Berisso y Ensenada.
Contacto: elvalledeltiempo@hotmail.com
Escuchar en vivo por Internet
A partir del domingo 13 de diciembre arrancará El Valle del Tiempo, por Radioparque FM 92.9 “La Verde”, y será todos los domingos de 22 a 24.
El programa surge como una iniciativa conjunta con Carlitos Mariño, quién además de ser el dueño de la radio, es uno de los pioneros del rock en la región de La Plata, Berisso y Ensenada.
Contacto: elvalledeltiempo@hotmail.com
Escuchar en vivo por Internet
11.15.2009
Una historia aún no escrita- Rock platense
En un artículo anterior habíamos dicho que la historia del rock platense, aún no ha sido escrita, al menos en lo que hace a sus inicios, y se prolonga hasta 1982, donde lo que emerge como rock nacional, es probable que ya no sea igual a lo que en la Argentina, anteriormente llamábamos a secas, música progresiva.
Existen datos dispersos y fragmentarios sobre los orígenes de los Redondos y Virus, muchos de ellos, principalmente en los referidos al folklore ricotero, son bastante imprecisos y no dan cuenta de la realidad platense que los englobaba. Por ejemplo decir que eran descendientes directos de La Cofradía de la Flor Solar, es un dato muy similar al que se esgrime diciendo que Virus fuera lo mismo de Dulcemembriyo. La participación contingente de alguno se sus miembros, en determinada agrupación no hace inmediatamente que uno se convierta en descendiente directo.
Si bien no existen grabaciones del Dulce, si las hay de la Cofradía, sólo alcanza con escuchar, y comprobar lo que estoy diciendo. Tampoco La Cofradía fue lo único que existió en aquel tiempo inicial del rock local.
Es conocida una mítica actuación de Patricio Rey en Salta, en un tugurio llamado El Polaco en 1978. Entre los temas que se pueden escuchar, hay una versión bastante particular de Maldición, va a ser un día hermoso, tema que va a ser conocido muchos años después, por la versión del álbum ¡Bang! ¡Bang!, ¡Estás Liquidado!, de 1989. Lo que sorprende de esta rara versión de Maldición… es que arranca con un fraseo de guitarra, bastante distorsionado, bastante blusero, que cuando uno lo escucha, inmediatamente sabe, que ese no es Skay. En ningún lugar está escrito quien era ese violero.
A su vez todos sabemos que Patricio Rey era una figura mitológica, pero no mucho más, por lo que me puse a indagar sobre ese personaje, ya que la geografía me es favorable, empezando a descubrir que en La Plata, Berisso y Ensenada de aquella época, éste era un pivote muy grosso, que si bien no era nadie en particular, podía encarnarse muy bien en algunos de los que sostenían la escena del rock en la región. Estos son solamente algunos anticipos, pero podemos adelantar que Patricio excedía largamente a los Redondos.
Por otro lado comparto con la estudiosa alemana Mercedes Bunz, que el rock en un momento de su historia, fue fagocitado por el sistema, e inevitablemente se convirtió en pop.
Esta interesante autora señalaba que “El rock trató de marcar estándares auténticos, en un mundo falso, el rock fue una revolución. Pero entonces esa revolución se convirtió en un negocio. Entonces el rock se convirtió en parte de ese mundo falso, y ahí entró el pop”.
La historia del rock por lo tanto debe ser escrita desde la perspectiva de aquella revolución, y no de la que nos marcan hoy, los estándares del establishment, porque así la historia sólo queda reducida a las discografías oficiales, o las grandes actuaciones, y el rock es mucho más que eso, y tal vez, una sustancia mucho más interesante, pero como antes había dicho, esto es solamente un anticipo, en el cual estamos trabajando actualmente.
Existen datos dispersos y fragmentarios sobre los orígenes de los Redondos y Virus, muchos de ellos, principalmente en los referidos al folklore ricotero, son bastante imprecisos y no dan cuenta de la realidad platense que los englobaba. Por ejemplo decir que eran descendientes directos de La Cofradía de la Flor Solar, es un dato muy similar al que se esgrime diciendo que Virus fuera lo mismo de Dulcemembriyo. La participación contingente de alguno se sus miembros, en determinada agrupación no hace inmediatamente que uno se convierta en descendiente directo.Si bien no existen grabaciones del Dulce, si las hay de la Cofradía, sólo alcanza con escuchar, y comprobar lo que estoy diciendo. Tampoco La Cofradía fue lo único que existió en aquel tiempo inicial del rock local.
Es conocida una mítica actuación de Patricio Rey en Salta, en un tugurio llamado El Polaco en 1978. Entre los temas que se pueden escuchar, hay una versión bastante particular de Maldición, va a ser un día hermoso, tema que va a ser conocido muchos años después, por la versión del álbum ¡Bang! ¡Bang!, ¡Estás Liquidado!, de 1989. Lo que sorprende de esta rara versión de Maldición… es que arranca con un fraseo de guitarra, bastante distorsionado, bastante blusero, que cuando uno lo escucha, inmediatamente sabe, que ese no es Skay. En ningún lugar está escrito quien era ese violero.
A su vez todos sabemos que Patricio Rey era una figura mitológica, pero no mucho más, por lo que me puse a indagar sobre ese personaje, ya que la geografía me es favorable, empezando a descubrir que en La Plata, Berisso y Ensenada de aquella época, éste era un pivote muy grosso, que si bien no era nadie en particular, podía encarnarse muy bien en algunos de los que sostenían la escena del rock en la región. Estos son solamente algunos anticipos, pero podemos adelantar que Patricio excedía largamente a los Redondos.
Por otro lado comparto con la estudiosa alemana Mercedes Bunz, que el rock en un momento de su historia, fue fagocitado por el sistema, e inevitablemente se convirtió en pop.
Esta interesante autora señalaba que “El rock trató de marcar estándares auténticos, en un mundo falso, el rock fue una revolución. Pero entonces esa revolución se convirtió en un negocio. Entonces el rock se convirtió en parte de ese mundo falso, y ahí entró el pop”.
La historia del rock por lo tanto debe ser escrita desde la perspectiva de aquella revolución, y no de la que nos marcan hoy, los estándares del establishment, porque así la historia sólo queda reducida a las discografías oficiales, o las grandes actuaciones, y el rock es mucho más que eso, y tal vez, una sustancia mucho más interesante, pero como antes había dicho, esto es solamente un anticipo, en el cual estamos trabajando actualmente.
10.15.2009
Blues internacional en La Plata- Eddie C. Campbell
Blues Internacional en La Plata
Eddie C. Campbell
El pionero del West side sound de Chicago viene a presentar su ultimo Cd "Tear the world up", a dos meses de cerrar el show de blues mas importante del mundo, el del Central Park de Chicago.
Sabado 17 de Octubre 20 hs
Centro Cultural Islas Malvinas
calle 19 entre 50 y 51 - la plata
Abre Johnny Guitar Saullo y la Blues del Expresso.
La Mejor oportunidad para ver a un autentico Bluesman Nortemericano en La Plata.
Informes y entradas anticipadas: 0221-4795240
Blues_1075@yahoo.com.ar
9.23.2009
EDUARDO FREZZA (Cantante y Bajista de EL RELOJ) Nuevo proyecto: CRONOLOGIA
La propuesta promete un nuevo trabajo inédito con temas nuevos de Frezza y videoclips de cada tema y una puesta de escena para revivir los temas del primer álbum de EL RELOJ, que Sony Music acaba de reeditar con sonido remasterizado y Bonus Tracks con sus simples.
Martín Arnedo es el creador de Vampiroquai, la banda con la cual homenajeó en Uruguay al gran Norberto “Pappo” Napolitano, con el cual compartió escenarios como guitarrista.
Richard Arena es el tecladista y cantante de A.R.B. y también compartió escenarios, grabaciones y zapadas con Charly García, Pappo con Deacon John, JAF, Saúl Blanch, Mc Laughlin, Chambers, De Francesco, B.B.King y con Power Trío acompañó a Kiko Loureiro (Angra).
Guillermo Carpintero fue baterista de ARCAICA y compartió escenarios con Horcas y Tren Loco.
Eduardo Frezza saldrá a recorrer los escenarios nacionales a partir del mes de Noviembre del 2009.
Eduardo Frezza, cantante y bajista de la legendaria banda EL RELOJ, vuelve a los escenarios con su nuevo proyecto solista llamado CRONOLOGIA, junto a los músicos Martín Arnedo en Guitarra, Richard Arena en Teclados y Guillermo Carpintero en Batería.
Para conocer más sobre este nuevo lanzamiento, fechas de shows y noticias de EL RELOJ ingresa al sitio:
www.elrelojrock.com.ar
Martín Arnedo es el creador de Vampiroquai, la banda con la cual homenajeó en Uruguay al gran Norberto “Pappo” Napolitano, con el cual compartió escenarios como guitarrista.
Richard Arena es el tecladista y cantante de A.R.B. y también compartió escenarios, grabaciones y zapadas con Charly García, Pappo con Deacon John, JAF, Saúl Blanch, Mc Laughlin, Chambers, De Francesco, B.B.King y con Power Trío acompañó a Kiko Loureiro (Angra).
Guillermo Carpintero fue baterista de ARCAICA y compartió escenarios con Horcas y Tren Loco.
Eduardo Frezza saldrá a recorrer los escenarios nacionales a partir del mes de Noviembre del 2009.
Eduardo Frezza, cantante y bajista de la legendaria banda EL RELOJ, vuelve a los escenarios con su nuevo proyecto solista llamado CRONOLOGIA, junto a los músicos Martín Arnedo en Guitarra, Richard Arena en Teclados y Guillermo Carpintero en Batería.
Para conocer más sobre este nuevo lanzamiento, fechas de shows y noticias de EL RELOJ ingresa al sitio:
www.elrelojrock.com.ar
9.04.2009
Shamal- Gong (1975)- Análisis y reseña del disco
El álbum Shamal de Gong del año 1975, es una de las obras del progresivo que más me gusta, y no solamente por haber estado ahí presente el violinista Jorge Pinchevsky, sino porque sencillamente es una obra hermosa que uno no se cansa de escucharla. Como no soy un analista musical sino más bien alguien que antes que nada se ocupa de la narrativa cultural del rock, le pedí a Erni Vidal que además de músico es un verdadero promotor del género progresivo y sinfónico que me escriba una reseña del disco, y por lo que vamos a leer de lo que el pudo plasmar en la letra, no nos va a caber ninguna duda de que es un verdadero especialista en el tema.
Por
Erni Vidal
desde Mendoza
UN QUERIDO AMIGO de La Plata, Osvaldo Drozd, de naturaleza literato y melómano por elección, con quien compartimos excelentes y extensas charlas a pesar de la distancia (él es de la húmeda La Plata, y yo permanezco en el desierto mendocino, contra la Cordillera), me encargó para estas publicaciones (De Garage, el Diario de Rock, y el blog Berisso Blues), que reseñase dos discos muy valiosos de la carrera de los franceses GONG -pilares de la música progresiva de su país-, y particulares bellezas de contenido de alta calidad, uno por sus logros en el estudio, y el otro por su performance en vivo. Estos discos a los que nos referimos son Shamal, de 1975, y el bastante reciente en su edición original -con rescates de tomas de conciertos justamente en 1975, y que estuvieron muchos años guardadas en un cajón- Live In Sherwood Forest.
Tamaña tarea!
Se me hace una responsabilidad pesada de sobrellevar, dado la grandeza de los músicos involucrados y la magnificencia de esos registros.
Así entonces, con la mayor honestidad (que la subjetividad me permitió), y como ‘ultra-fan’, músico, productor de radio y divulgador del género progresivo en que los años me convirtieron, paso a dejarles aquí mis respetuosos comentarios al respecto.
Comenzaré por el Shamal, disco de estudio de 1975. Un honor.
GONG
Shamal (1975)
%2BGong%2B-%2BShamal%2B-%2BFront.jpg)
Mike Howlett (bajo, voz)
Didier Malherbe (saxos, flautas)
Mireille Bauer (marimba, xylofón, percusión, gongs)
Pierre Moerlen (batería, vibrafón, campanas tubulares)
Patrice Lemoine (teclados)
Con las colaboraciones de:
Steve Hillage (guitarra)
Miquette Giraudy (voz)
Sandy Colley (voz)
Jorge Pinchevsky (violín)
……………………………………………………............
Luego de la genialidad que significó la ‘trilogía espacial-ácida-psicodélica’ conformada por la serie de ediciones Radio Gnome Invisible (Flying Teapot, 1972 / Angel’s Egg, 1973 / You, 1974) de los franceses Gong, y al mando del talentoso freak australiano Daevid Allen (n.13 Enero, 1938), éste decide retirarse del proyecto para comenzar una carrera solista junto a su esposa y musa inspiradora Gilly Smith; y con nueva formación, ahora liderada por el baterista Pierre Moerlen, el grupo emprende una carrera estilísticamente diferente, orientada más hacia el jazz-rock y la fusión con elementos más cercanos a la world music, pero sin abandonar su escencia original de experimentación en las corrientes espacial-ambientales, y ese clima progresivo de la mejor herencia del Canterbury inglés.
Así, este combo extraordinario, ahora con la presencia quizá un tanto más marcada
-debido al alejamiento de Allen, que también se encargaba de las guitarras- del virtuoso guitarrista Steve Hillage, editan el que sería el iniciador de esta nueva etapa de Gong, uno de los discos emblemáticos y más bellos que dio la historia del género progresivo de su país, y referente además, junto a lo mejor de bandas como Soft Machine, Caravan, National Health y otras, de la escuela de Canterbury (esta corriente o sub-género mixturaba rock progresivo con elementos del jazz e influencias del folk típico inglés, sobre todo de la zona sureste del país, no muy lejos de Londres). El disco en cuestión es Shamal, grabado y editado durante 1975, y, como cito más arriba, sin duda uno de los técnicamente más hermosos y bien arreglados que cedió a nuestros oídos (y mente) el género durante los ‘70s.
Entre los vericuetos que dominan la ‘escena intrínseca’ del álbum, debemos destacar dos particularidades, entiendo que de especial relevancia: Primero, el hecho de que el disco fuera producido en el estudio por no otro que Nick Mason, el mismísimo baterista de Pink Floyd (ya por aquellos años, posicionados definitivamente con peso propio dentro de la escena progresiva europea y mundial), y para nosotros, los progres y melómanos locales, el contar como invitado, con la participación del violinista argentino Jorge Pinchevsky, nuestro recordado y querido Pin, hábil con su instrumento, y como lo demostrara a lo largo de este disco, con una particularísima capacidad para entusiasmar y hasta influenciar a quienes tenía alrededor y que compartían con él las sesiones de grabación.
El disco comienza con Wingful Of Eyes, climático introito a una obra que con el correr de los temas mostraría poseer cierto carácter conceptual, con el fusionado de varios de sus temas a lo largo de la reproducción, armando una hilazón de escucha que lleva al oyente hacia los clímax que Gong maneja prácticamente a su antojo, de manera no forzada y sutil pero muy efectiva… Muy buen groove de bajo (Howlett), con esa sensación de ‘sonido-justo-para-este-tema’, la línea de percusión prolija, impecable en tempo (Moerlen), flauta de Malherbe que ya deja entrever cómo sonará a lo largo de este relato sonoro (muy buen trabajo de cámaras y paneo en el stereo), y todo con las pinceladas de las percusiones afinadas de Mireille Bauer, que sorprenderá directamente con sus intervenciones más tarde, y a lo que termina acostumbrándonos: Su excelencia como ejecutante, sus incursiones perfectas. El piano eléctrico (Fender Rhodes) de Lemoine carga el color fusion sobre el canal izquierdo, con toques acotados y precisos, y la voz a cargo de Howlett, ajustada y bien al frente de la mezcla, provee el tinte particular (con algunos vibratos bien notorios por tramos) que se convierte en una de las referencias de la textura sonora (y estilo, bien diferenciado del de Allen) de la obra. De pronto aparecen, con inconfundible sonido Les Paul, los dedos de Steve Hillage, que será otro de los hilos conductores del sonido Shamal. Pulsante, a veces con determinismo rockero, otras con pastoriles arpegios de guitarra acústica, logra que el tema llegue a su fin con naturalidad y dando buen preludio a lo siguiente.
Continúa Chandra, perla de las que comienzan a dejarse ver ahora con más claridad a lo largo del trabajo. Extraordinaria intro en clave jazz rock muy climático, la base rítmica Howlett-Moerlen ajustadísima, con el agregado de una de esas primeras sorpresas talentosas de Bauer: el groove de xylofón como si fuese tocado por un sequencer, acoplado de manera perfecta con la base y haciendo unas subdivisiones en la métrica que dejan con la boca abierta… Si a eso le sumamos el saxo procesado (con chorus), lo cual le provee un color un tanto “irreal”, y el trabajo de Hillage en perfecto lenguaje Canterbury clarísimo, el track se convierte rápidamente en un bocado de enigmática dulzura para cualquier paladar melómano… Cierto matiz sinfónico es provisto por las líneas de (sintetizador) Moog, y sobre los 4 minutos aparece -en su primera incursión gloriosa por cierto- Pinchevsky, violín acústico, bien reproducido el color de la madera del instrumento, cálido, algo tímido, como tanteando. Tranquilo, pero bien personal y mezclado con las líneas de piano eléctrico, una delicia que pasa muy rápido. La voz de Howlett, siempre como volando por arriba de la pista, pero esta vez más mezclada dentro, formando parte más de un todo compositivo. Hermoso tema que se funde con el siguiente.
Ahora en el tercer tema, Bambojii, tenemos la primera sorpresa ‘global’ de Shamal:
Una intro totalmente étnica, que alejaría al tema (aparentemente) del rock, clima oriental apuntando hacia las alturas del Tíbet o similares, frío ambient de viento con una flauta encima, voces (femeninas, a cargo de Miquette Giraudy) en clave de cánticos de tipo devocional… La presencia de la world music se corta de pronto cuando entra la guitarra de Hillage y se insinúa un tema mucho más rockero, con la intervención de Pin inclusive, que hasta trae por pocos segundos una clara reminiscencia de sus incursiones en las típicas composiciones de La Pesada de Billy Bond, y que de inmediato da paso a… ¡un aire de carnavalito!, bien norteño, obra sin duda esto último, de los arranques arregladores de Pinchevsky, y que debe haber fascinado a los integrantes de Gong por su exotismo. Rareza que sonará extraña para algunos, pero bella de verdad.
Le sigue Cat In Clark’s Shoes, ¡y ahora sí que debemos detenernos para el análisis, frente a una genialidad compositiva y de eclecticismo extraordinario!
Entrada energética, picante, base bajo-batería bien arriba, y todos los demás aportando… Saxos, piano eléctrico, las percusiones afinadas, y el violín. Contrapuntos y trabajo de armonía que consiguen un pasaje pulsante, ajustado en la más clara tradición jazz-rock ‘erudito’. Unos compases de todo esto, tratando de mutar sobre el final, con cortes para “acomodar” el pasaje a lo que viene, y el cambio de métrica de pronto, que desemboca en la escucha de un malambo (sí, leyeron bien), en la mejor tradición Ginastera, para luego dar paso a otro pasaje 100% Pin, como si la mismísima Pesada del ’72 fuese el resto de la banda que está tocando… El violín haciendo el solo, sobre una base de folk/country rápida, con aires bluseros… ¡Si hasta parece que sonaran Alejandro Medina y Black Amaya detrás! Notable, pero el asombro recién comienza, ahí: Muy luego, sigue otro arreglo de métrica para acomodarse, y el combo, con la marca de Malherbe, da paso a… Un tango. ¡Sí, claramente, y de la más pura tradición “canyengue”! Perlita etérea, con la línea de violín bien al frente, y el mismo Pinchevsky recitando lo de “…La morocha y el empedrado…” -así en español y lunfardo, por supuesto- a bajito volumen, por el canal izquierdo, casi un susurro. Unos compases que de ninguna manera pueden pasar desapercibidos. Y el resto de los franceses, tocándolo bien, ajustadamente, como si conocieran este lenguaje casi a la perfección. Evidentemente, la influencia (y muy posiblemente la dirección musical en este pasaje) de Pinchevsky fue de decisivo peso. Varios se dieron el gusto, y todos contentos con el resultado, obviamente. Pin a sus anchas hippie-sudamericanas, y los demás Gong disfrutando a full. Joya total, abarcativa, en el paroxismo ecléctico, que termina con otro poco de jazz-rock para resolver todo de la manera como comenzó. Punto alto indiscutible del disco.
Mandrake es el tema que sigue, y destaca ampliamente ahora la dupla percusiva Moerlen-Bauer, más el agregado de una de las líneas de flauta (bamboo flute) más hermosas y rendidoras de todo el disco. Sobre la mitad aproximadamente, el tema “estalla” gentilmente, dándose un empuje rítmico mucho más marcado, y el groove cae sobre el intelecto como una suave bendición, un bálsamo que asemeja a la miel pasando por la garganta. Uno de los pilares del éxtasis alcanzado por Gong en este trabajo, sin duda alguna.
La canción que le da nombre, Shamal, cierra el álbum. A estas alturas, es de imaginar que poco se puede agregar a este muestrario de talentos varios y técnicas sobresalientes. El final del disco comienza con una base rítmica bien fusion, en plan similar a como empezó, con “Wingful…”, slow tempo, pero más “caliente”, la base casi un loop, tocado a mano. Buenísimo manejo de la síncopa de parte del tándem Howlett-Moerlen, y el talentoso y etéreo toque del saxo de Malherbe como contando una historia, desde lejos con reverbs profundas. Cambia el groove, el ritmo se cuadra, y aparecen las voces de Howlett (muy bien) y el coro a cargo de Sandy Colley, en un interplay tan nerviosamente extático como no exento de una cierta sensualidad. Muy interesante. Hay una carga de misticismo (como no podía ser de otra manera, viniendo de Gong!) rondando todo el disco, y se percibe muy especialmente aquí, en este pasaje.
Mireille Bauer vuelve a ser el centro de atención de la escucha, llegando a doblar la frase del bajo en pasajes que se nos antojan casi imposibles, y dueña de una justeza y afinación que cortan el aliento… y nuevamente, sobre los 4’25”, vuelve a aparecer el pulso nervioso de Pin, breve pero enérgico solo de violín del geniecillo criollo, con una urgencia que hace traer a la memoria algunos pasajes de la virtuosa Mahavishnu Orchestra.
El tema vuelve a tomar sus carriles de free experimental con algunos toques de funk aquí y fusion allá (que lo acercan a la escuela del RIO inclusive por momentos, como flashes), y Hillage y Malherbe se despachan a gusto repartiéndose lo que queda para improvisar y meter frases en el paneo del stereo.
En resumen, un trabajo único, con fuerte identidad propia, que contiene todos los elementos de la música de una década prodigiosa, y a la vez no intenta parecerse a ninguno: no lo necesita.
Shamal viene a ser el “eslabón perdido” entre esa primera etapa, lisérgica, enloquecida, psicodélica ácida y espacial, a bordo de teteras volantes que surcaban cielos para remontarse hasta un lejano planeta con intelecto y cultura rockera propios, que significó el liderazgo del ‘pot head pixie’ delirante y genial de Daevid Allen, y lo que podría denominarse la “tercera etapa” Gong, en donde Pierre Moerlen toma el timón para desembocar finalmente en ese portento que llegó a contener en sus filas a un genio de la guitarra como Allan Holdsworth, y a otros notables como Mick Taylor (guit), Bon Lozaga (guit) y Darryl Way (violin), y que maduró discos tan increíbles y valiosos para el género como Gazeuse! (1976), y Expresso II (1978).
No puedo recomendar lo suficiente este disco maravilloso, perla que brilla con luz propia entre los buenos álbums del progresivo clásico de los ‘70s, tanto en la veta del Canterbury, como del jazz-rock, el acercamiento –visionario, por cierto- a los climas de lo que años más tarde se conocería como ‘New Age’, o simplemente el rock progresivo más visceral y franco, con formato de canciones que remiten a los lugares más recónditos del alma y el intelecto…
Mención aparte, la protagónica participación de nuestro violín mayor del rock y el blues, Jorge Pinchevsky, en épocas tal vez duras de su exilio europeo, cuando a fuerza de puro talento y necesidad de progresar llegó a tocar con músicos de la talla del francés Cyrille Verdeaux en su proyecto Clearlight (que taloneaba a Gong en gira, y de donde precisamente se creó el contacto y posterior ‘pase’ de Pin a Gong), y de su notable presencia e influencia en los pasajes étnicos (sobre todo sudamericanos) del álbum.
Una joya si se quiere única, verdadera pieza muy valiosa en cualquier colección de buen progresivo.
Un buen masaje para las percepciones.
Por favor para quienes no lo conozcan, intenten conseguir el Shamal de Gong, y entréguense sin miramientos a su disfrute. Sus sentidos se los agradecerán.
Ernesto Vidal (Erni)
La Progresión/Música de Culto
FM Universidad – Mendoza
laprogresion@yahoo.com.ar
Por
Erni Vidal
desde Mendoza
UN QUERIDO AMIGO de La Plata, Osvaldo Drozd, de naturaleza literato y melómano por elección, con quien compartimos excelentes y extensas charlas a pesar de la distancia (él es de la húmeda La Plata, y yo permanezco en el desierto mendocino, contra la Cordillera), me encargó para estas publicaciones (De Garage, el Diario de Rock, y el blog Berisso Blues), que reseñase dos discos muy valiosos de la carrera de los franceses GONG -pilares de la música progresiva de su país-, y particulares bellezas de contenido de alta calidad, uno por sus logros en el estudio, y el otro por su performance en vivo. Estos discos a los que nos referimos son Shamal, de 1975, y el bastante reciente en su edición original -con rescates de tomas de conciertos justamente en 1975, y que estuvieron muchos años guardadas en un cajón- Live In Sherwood Forest.
Tamaña tarea!
Se me hace una responsabilidad pesada de sobrellevar, dado la grandeza de los músicos involucrados y la magnificencia de esos registros.
Así entonces, con la mayor honestidad (que la subjetividad me permitió), y como ‘ultra-fan’, músico, productor de radio y divulgador del género progresivo en que los años me convirtieron, paso a dejarles aquí mis respetuosos comentarios al respecto.
Comenzaré por el Shamal, disco de estudio de 1975. Un honor.
GONG
Shamal (1975)
%2BGong%2B-%2BShamal%2B-%2BFront.jpg)
Mike Howlett (bajo, voz)
Didier Malherbe (saxos, flautas)
Mireille Bauer (marimba, xylofón, percusión, gongs)
Pierre Moerlen (batería, vibrafón, campanas tubulares)
Patrice Lemoine (teclados)
Con las colaboraciones de:
Steve Hillage (guitarra)
Miquette Giraudy (voz)
Sandy Colley (voz)
Jorge Pinchevsky (violín)
……………………………………………………............
Luego de la genialidad que significó la ‘trilogía espacial-ácida-psicodélica’ conformada por la serie de ediciones Radio Gnome Invisible (Flying Teapot, 1972 / Angel’s Egg, 1973 / You, 1974) de los franceses Gong, y al mando del talentoso freak australiano Daevid Allen (n.13 Enero, 1938), éste decide retirarse del proyecto para comenzar una carrera solista junto a su esposa y musa inspiradora Gilly Smith; y con nueva formación, ahora liderada por el baterista Pierre Moerlen, el grupo emprende una carrera estilísticamente diferente, orientada más hacia el jazz-rock y la fusión con elementos más cercanos a la world music, pero sin abandonar su escencia original de experimentación en las corrientes espacial-ambientales, y ese clima progresivo de la mejor herencia del Canterbury inglés.
Así, este combo extraordinario, ahora con la presencia quizá un tanto más marcada
-debido al alejamiento de Allen, que también se encargaba de las guitarras- del virtuoso guitarrista Steve Hillage, editan el que sería el iniciador de esta nueva etapa de Gong, uno de los discos emblemáticos y más bellos que dio la historia del género progresivo de su país, y referente además, junto a lo mejor de bandas como Soft Machine, Caravan, National Health y otras, de la escuela de Canterbury (esta corriente o sub-género mixturaba rock progresivo con elementos del jazz e influencias del folk típico inglés, sobre todo de la zona sureste del país, no muy lejos de Londres). El disco en cuestión es Shamal, grabado y editado durante 1975, y, como cito más arriba, sin duda uno de los técnicamente más hermosos y bien arreglados que cedió a nuestros oídos (y mente) el género durante los ‘70s.
Entre los vericuetos que dominan la ‘escena intrínseca’ del álbum, debemos destacar dos particularidades, entiendo que de especial relevancia: Primero, el hecho de que el disco fuera producido en el estudio por no otro que Nick Mason, el mismísimo baterista de Pink Floyd (ya por aquellos años, posicionados definitivamente con peso propio dentro de la escena progresiva europea y mundial), y para nosotros, los progres y melómanos locales, el contar como invitado, con la participación del violinista argentino Jorge Pinchevsky, nuestro recordado y querido Pin, hábil con su instrumento, y como lo demostrara a lo largo de este disco, con una particularísima capacidad para entusiasmar y hasta influenciar a quienes tenía alrededor y que compartían con él las sesiones de grabación.
El disco comienza con Wingful Of Eyes, climático introito a una obra que con el correr de los temas mostraría poseer cierto carácter conceptual, con el fusionado de varios de sus temas a lo largo de la reproducción, armando una hilazón de escucha que lleva al oyente hacia los clímax que Gong maneja prácticamente a su antojo, de manera no forzada y sutil pero muy efectiva… Muy buen groove de bajo (Howlett), con esa sensación de ‘sonido-justo-para-este-tema’, la línea de percusión prolija, impecable en tempo (Moerlen), flauta de Malherbe que ya deja entrever cómo sonará a lo largo de este relato sonoro (muy buen trabajo de cámaras y paneo en el stereo), y todo con las pinceladas de las percusiones afinadas de Mireille Bauer, que sorprenderá directamente con sus intervenciones más tarde, y a lo que termina acostumbrándonos: Su excelencia como ejecutante, sus incursiones perfectas. El piano eléctrico (Fender Rhodes) de Lemoine carga el color fusion sobre el canal izquierdo, con toques acotados y precisos, y la voz a cargo de Howlett, ajustada y bien al frente de la mezcla, provee el tinte particular (con algunos vibratos bien notorios por tramos) que se convierte en una de las referencias de la textura sonora (y estilo, bien diferenciado del de Allen) de la obra. De pronto aparecen, con inconfundible sonido Les Paul, los dedos de Steve Hillage, que será otro de los hilos conductores del sonido Shamal. Pulsante, a veces con determinismo rockero, otras con pastoriles arpegios de guitarra acústica, logra que el tema llegue a su fin con naturalidad y dando buen preludio a lo siguiente.
Continúa Chandra, perla de las que comienzan a dejarse ver ahora con más claridad a lo largo del trabajo. Extraordinaria intro en clave jazz rock muy climático, la base rítmica Howlett-Moerlen ajustadísima, con el agregado de una de esas primeras sorpresas talentosas de Bauer: el groove de xylofón como si fuese tocado por un sequencer, acoplado de manera perfecta con la base y haciendo unas subdivisiones en la métrica que dejan con la boca abierta… Si a eso le sumamos el saxo procesado (con chorus), lo cual le provee un color un tanto “irreal”, y el trabajo de Hillage en perfecto lenguaje Canterbury clarísimo, el track se convierte rápidamente en un bocado de enigmática dulzura para cualquier paladar melómano… Cierto matiz sinfónico es provisto por las líneas de (sintetizador) Moog, y sobre los 4 minutos aparece -en su primera incursión gloriosa por cierto- Pinchevsky, violín acústico, bien reproducido el color de la madera del instrumento, cálido, algo tímido, como tanteando. Tranquilo, pero bien personal y mezclado con las líneas de piano eléctrico, una delicia que pasa muy rápido. La voz de Howlett, siempre como volando por arriba de la pista, pero esta vez más mezclada dentro, formando parte más de un todo compositivo. Hermoso tema que se funde con el siguiente.
Ahora en el tercer tema, Bambojii, tenemos la primera sorpresa ‘global’ de Shamal:
Una intro totalmente étnica, que alejaría al tema (aparentemente) del rock, clima oriental apuntando hacia las alturas del Tíbet o similares, frío ambient de viento con una flauta encima, voces (femeninas, a cargo de Miquette Giraudy) en clave de cánticos de tipo devocional… La presencia de la world music se corta de pronto cuando entra la guitarra de Hillage y se insinúa un tema mucho más rockero, con la intervención de Pin inclusive, que hasta trae por pocos segundos una clara reminiscencia de sus incursiones en las típicas composiciones de La Pesada de Billy Bond, y que de inmediato da paso a… ¡un aire de carnavalito!, bien norteño, obra sin duda esto último, de los arranques arregladores de Pinchevsky, y que debe haber fascinado a los integrantes de Gong por su exotismo. Rareza que sonará extraña para algunos, pero bella de verdad.
Le sigue Cat In Clark’s Shoes, ¡y ahora sí que debemos detenernos para el análisis, frente a una genialidad compositiva y de eclecticismo extraordinario!
Entrada energética, picante, base bajo-batería bien arriba, y todos los demás aportando… Saxos, piano eléctrico, las percusiones afinadas, y el violín. Contrapuntos y trabajo de armonía que consiguen un pasaje pulsante, ajustado en la más clara tradición jazz-rock ‘erudito’. Unos compases de todo esto, tratando de mutar sobre el final, con cortes para “acomodar” el pasaje a lo que viene, y el cambio de métrica de pronto, que desemboca en la escucha de un malambo (sí, leyeron bien), en la mejor tradición Ginastera, para luego dar paso a otro pasaje 100% Pin, como si la mismísima Pesada del ’72 fuese el resto de la banda que está tocando… El violín haciendo el solo, sobre una base de folk/country rápida, con aires bluseros… ¡Si hasta parece que sonaran Alejandro Medina y Black Amaya detrás! Notable, pero el asombro recién comienza, ahí: Muy luego, sigue otro arreglo de métrica para acomodarse, y el combo, con la marca de Malherbe, da paso a… Un tango. ¡Sí, claramente, y de la más pura tradición “canyengue”! Perlita etérea, con la línea de violín bien al frente, y el mismo Pinchevsky recitando lo de “…La morocha y el empedrado…” -así en español y lunfardo, por supuesto- a bajito volumen, por el canal izquierdo, casi un susurro. Unos compases que de ninguna manera pueden pasar desapercibidos. Y el resto de los franceses, tocándolo bien, ajustadamente, como si conocieran este lenguaje casi a la perfección. Evidentemente, la influencia (y muy posiblemente la dirección musical en este pasaje) de Pinchevsky fue de decisivo peso. Varios se dieron el gusto, y todos contentos con el resultado, obviamente. Pin a sus anchas hippie-sudamericanas, y los demás Gong disfrutando a full. Joya total, abarcativa, en el paroxismo ecléctico, que termina con otro poco de jazz-rock para resolver todo de la manera como comenzó. Punto alto indiscutible del disco.
Mandrake es el tema que sigue, y destaca ampliamente ahora la dupla percusiva Moerlen-Bauer, más el agregado de una de las líneas de flauta (bamboo flute) más hermosas y rendidoras de todo el disco. Sobre la mitad aproximadamente, el tema “estalla” gentilmente, dándose un empuje rítmico mucho más marcado, y el groove cae sobre el intelecto como una suave bendición, un bálsamo que asemeja a la miel pasando por la garganta. Uno de los pilares del éxtasis alcanzado por Gong en este trabajo, sin duda alguna.
La canción que le da nombre, Shamal, cierra el álbum. A estas alturas, es de imaginar que poco se puede agregar a este muestrario de talentos varios y técnicas sobresalientes. El final del disco comienza con una base rítmica bien fusion, en plan similar a como empezó, con “Wingful…”, slow tempo, pero más “caliente”, la base casi un loop, tocado a mano. Buenísimo manejo de la síncopa de parte del tándem Howlett-Moerlen, y el talentoso y etéreo toque del saxo de Malherbe como contando una historia, desde lejos con reverbs profundas. Cambia el groove, el ritmo se cuadra, y aparecen las voces de Howlett (muy bien) y el coro a cargo de Sandy Colley, en un interplay tan nerviosamente extático como no exento de una cierta sensualidad. Muy interesante. Hay una carga de misticismo (como no podía ser de otra manera, viniendo de Gong!) rondando todo el disco, y se percibe muy especialmente aquí, en este pasaje.
Mireille Bauer vuelve a ser el centro de atención de la escucha, llegando a doblar la frase del bajo en pasajes que se nos antojan casi imposibles, y dueña de una justeza y afinación que cortan el aliento… y nuevamente, sobre los 4’25”, vuelve a aparecer el pulso nervioso de Pin, breve pero enérgico solo de violín del geniecillo criollo, con una urgencia que hace traer a la memoria algunos pasajes de la virtuosa Mahavishnu Orchestra.
El tema vuelve a tomar sus carriles de free experimental con algunos toques de funk aquí y fusion allá (que lo acercan a la escuela del RIO inclusive por momentos, como flashes), y Hillage y Malherbe se despachan a gusto repartiéndose lo que queda para improvisar y meter frases en el paneo del stereo.
En resumen, un trabajo único, con fuerte identidad propia, que contiene todos los elementos de la música de una década prodigiosa, y a la vez no intenta parecerse a ninguno: no lo necesita.
Shamal viene a ser el “eslabón perdido” entre esa primera etapa, lisérgica, enloquecida, psicodélica ácida y espacial, a bordo de teteras volantes que surcaban cielos para remontarse hasta un lejano planeta con intelecto y cultura rockera propios, que significó el liderazgo del ‘pot head pixie’ delirante y genial de Daevid Allen, y lo que podría denominarse la “tercera etapa” Gong, en donde Pierre Moerlen toma el timón para desembocar finalmente en ese portento que llegó a contener en sus filas a un genio de la guitarra como Allan Holdsworth, y a otros notables como Mick Taylor (guit), Bon Lozaga (guit) y Darryl Way (violin), y que maduró discos tan increíbles y valiosos para el género como Gazeuse! (1976), y Expresso II (1978).
No puedo recomendar lo suficiente este disco maravilloso, perla que brilla con luz propia entre los buenos álbums del progresivo clásico de los ‘70s, tanto en la veta del Canterbury, como del jazz-rock, el acercamiento –visionario, por cierto- a los climas de lo que años más tarde se conocería como ‘New Age’, o simplemente el rock progresivo más visceral y franco, con formato de canciones que remiten a los lugares más recónditos del alma y el intelecto…
Mención aparte, la protagónica participación de nuestro violín mayor del rock y el blues, Jorge Pinchevsky, en épocas tal vez duras de su exilio europeo, cuando a fuerza de puro talento y necesidad de progresar llegó a tocar con músicos de la talla del francés Cyrille Verdeaux en su proyecto Clearlight (que taloneaba a Gong en gira, y de donde precisamente se creó el contacto y posterior ‘pase’ de Pin a Gong), y de su notable presencia e influencia en los pasajes étnicos (sobre todo sudamericanos) del álbum.
Una joya si se quiere única, verdadera pieza muy valiosa en cualquier colección de buen progresivo.
Un buen masaje para las percepciones.
Por favor para quienes no lo conozcan, intenten conseguir el Shamal de Gong, y entréguense sin miramientos a su disfrute. Sus sentidos se los agradecerán.
Ernesto Vidal (Erni)
La Progresión/Música de Culto
FM Universidad – Mendoza
laprogresion@yahoo.com.ar
9.01.2009
Premio al esfuerzo personal 2009
Me ha llegado una notificación por parte de mi gran amigo prog-mendocino Erni Vidal de La Progresión, Música de Culto para decirme que entre otros ha elegido mi blog como uno de los merecedores de este premio, y de verdad se lo agradezco profundamente ya que además de compartir muchas ideas y gustos musicales, es un gran tipo y un verdadero laburante en esto del universo blogger como una verdadera red de difusión de intereses culturales que los grandes medios masivos nunca tienen en cuenta.
La propuesta consiste en que yo mismo deba elegir otros blogs que a mi entender sean merecedores de este Premio al esfuerzo personal, y ellos son:
La Maza Blues
Aguante la Cofradía
Reddland
El Mago de Agua
Una foto más
Reglas del Premio:
1.- Al recibir el Premio, se ha de escribir un post mostrando el premio y se ha de citar el nombre del blog o web que te lo regala y enlazarlo al post de ese blog o web que te nombra ganador.
2.- Elegir un mínimo de 5 blogs que creas que brillan por su temática y/o su diseño. Escribir sus nombres y los enlaces a ellos. Avisarles de que han sido premiados con el "Premio al esfuerzo personal", para que lo recojan.
3.- Opcional. Exhibir el Premio con orgullo en tu blog haciendo enlace al post que tú escribes sobre él.
8.22.2009
Presentación de Engranaje
Hoy 22 se presentará en Castelar, Muñiz 17 la banda del legendario y gran amigo Bocón Frascino, quien fuera además integrante de Pescado Rabioso y Sacramento.
http://www.engranajerock.com.ar/
http://www.myspace.com/engranajerock/
http://www.engranajerock.com.ar/
http://www.myspace.com/engranajerock/
8.16.2009
Woodstock a 40 años
Cuarenta años podrían ser mucho o poco tiempo, eso depende de muchos factores, pero cuando este tiempo cuenta en lo que nos separa del Festival de Woodstock allá en 1969, esto pareciera convertirse en una eternidad. En el mundo se produjeron desde entonces tantos cambios que daría la sensación que estos cuarenta años parecieran encontrarse en una lejanía inalcanzable. Cambios culturales, sociales, tecnológicos que no precisamente implican una superación, algunos tal vez si, mientras que muchos otros reflejan la sensación de un cruel retroceso.
1969 fue un año donde abundaban cúspides de todo el movimiento juvenil emergente para mediados de los sesenta tanto en lo relacionado a la contracultura, como a los vientos de renovación y revolución que soplaban por todo el planeta y donde el rock se convertiría en la banda de sonido de la experiencia de vida de los jóvenes de entonces.
Woodstock iba ser el festival más recordado de aquella época, donde se congregarían quinientas mil personas en una granja de Bethel, Nueva York, los días 15, 16 y 17 de agosto de 1969.
No solamente por los grupos y solistas que irían a estar en escena sino también porque fueron tres días de convivencia sólo comparables a la realización de alguna ensoñada utopía.
Los que vivimos por estos pagos, supimos antes que nada sobre Woodstock por haber visto la película, y sin exagerar demasiado la mayoría la vimos entre 10 y 15 veces, y algunos tal vez más, aunque cada vez la daban más recortada.
Hubieron actuaciones memorables como la Jimi Hendrix; The Who; Santana; Crosby, Stills & Nash; Janis Joplin; Country Joe; Joan Baez, Joe Cocker, el descubrimiento de un grupo como Ten Years Alter o un solista como Richie Havens, así como el inolvidable Going Up The Country (Recorriendo el país) de Canned Heat que era el tema que sonaba mientras se mostraba la llegada de los distintos contingentes, mientras otros montaban el escenario, y las torres de iluminación y sonido.
Junto a Monterrey y la Isla de Wight en Inglaterra fueron festivales de masas que de a poco fueron desapareciendo debido a hechos de violencia crecientes. En el mismo 1969 en el Altamont Free Festival organizado por los Rolling Stones fue asesinado un joven negro de 18 años por parte de los Hells Angels (Angeles del Infierno), un grupo de motoqueros violentos de camperas negras que agredían a los jóvenes pacifistas con palos de billar. El asesinato se produjo mientras los Stones hacían Simpathy for Devil. Este grupo de choque de a poco comenzó a desmovilizar a los jóvenes que asistían a éstos festivales.
Woodstock fue una cima y pronto comenzaría el descenso, muchos hippies emigrarían al campo a constituir comunidades mientras que las agrupaciones musicales iban a empezar a hacer presentaciones para públicos más restringidos.
Evidentemente eran otros tiempos muy diferentes y mucho más cuando hoy leo una noticia que podríamos llamar sorprendente.
Cuando caminaba por un suburbio de New Yersey fue detenido Bob Dylan, ya que algunos del vecindario denunciaron a la policía que andaba por ahí un anciano extraño con pinta de linyera. La joven agente que lo detuvo le pidió el documento que en ese momento Bob no tenía y a pesar que él le manifestara quien era, ella nunca había sentido ese nombre. La escena transcurrió casi como en un capitulo de alguna novela de Ray Bradbury o James G. Ballard, y es justamente esto lo que me hace pensar que 40 años alcanzaron hoy a convertirse en una verdadera eternidad.
1969 fue un año donde abundaban cúspides de todo el movimiento juvenil emergente para mediados de los sesenta tanto en lo relacionado a la contracultura, como a los vientos de renovación y revolución que soplaban por todo el planeta y donde el rock se convertiría en la banda de sonido de la experiencia de vida de los jóvenes de entonces.
Woodstock iba ser el festival más recordado de aquella época, donde se congregarían quinientas mil personas en una granja de Bethel, Nueva York, los días 15, 16 y 17 de agosto de 1969.
No solamente por los grupos y solistas que irían a estar en escena sino también porque fueron tres días de convivencia sólo comparables a la realización de alguna ensoñada utopía.
Los que vivimos por estos pagos, supimos antes que nada sobre Woodstock por haber visto la película, y sin exagerar demasiado la mayoría la vimos entre 10 y 15 veces, y algunos tal vez más, aunque cada vez la daban más recortada.
Hubieron actuaciones memorables como la Jimi Hendrix; The Who; Santana; Crosby, Stills & Nash; Janis Joplin; Country Joe; Joan Baez, Joe Cocker, el descubrimiento de un grupo como Ten Years Alter o un solista como Richie Havens, así como el inolvidable Going Up The Country (Recorriendo el país) de Canned Heat que era el tema que sonaba mientras se mostraba la llegada de los distintos contingentes, mientras otros montaban el escenario, y las torres de iluminación y sonido.
Junto a Monterrey y la Isla de Wight en Inglaterra fueron festivales de masas que de a poco fueron desapareciendo debido a hechos de violencia crecientes. En el mismo 1969 en el Altamont Free Festival organizado por los Rolling Stones fue asesinado un joven negro de 18 años por parte de los Hells Angels (Angeles del Infierno), un grupo de motoqueros violentos de camperas negras que agredían a los jóvenes pacifistas con palos de billar. El asesinato se produjo mientras los Stones hacían Simpathy for Devil. Este grupo de choque de a poco comenzó a desmovilizar a los jóvenes que asistían a éstos festivales.
Woodstock fue una cima y pronto comenzaría el descenso, muchos hippies emigrarían al campo a constituir comunidades mientras que las agrupaciones musicales iban a empezar a hacer presentaciones para públicos más restringidos.
Evidentemente eran otros tiempos muy diferentes y mucho más cuando hoy leo una noticia que podríamos llamar sorprendente.
Cuando caminaba por un suburbio de New Yersey fue detenido Bob Dylan, ya que algunos del vecindario denunciaron a la policía que andaba por ahí un anciano extraño con pinta de linyera. La joven agente que lo detuvo le pidió el documento que en ese momento Bob no tenía y a pesar que él le manifestara quien era, ella nunca había sentido ese nombre. La escena transcurrió casi como en un capitulo de alguna novela de Ray Bradbury o James G. Ballard, y es justamente esto lo que me hace pensar que 40 años alcanzaron hoy a convertirse en una verdadera eternidad.
8.07.2009
"Presumida" en versión cofrádica
Esto que voy a relatar es antes que nada un grato recuerdo.
Yendo desde Berisso, cruzábamos a pié el dock central del Puerto La Plata para llegar ahí unos metros más al Club YPF de Ensenada. En aquella noche de 1971, en aquel sitio se presentaba La Cofradía de la Flor Solar, junto a los ensenadenses Idea como teloneros.
Para todos los que por acá seguíamos al incipiente rock rioplatense, la Cofradía era por entonces, para nosotros, una especie de patrimonio regional ineludible. El grupo platense realizó sus temas acostumbrados, muchos de los cuales hoy son conocidos por haber sido grabados, pero la sorpresa iba a ser cuando se irían a lanzar con un cover inolvidable del rock´n´roll.
“Nos veremos presumida no te puedo aguantar
esas puntadas tuyas no las puedo pasar
tu sin caviar y sin faisán no vives felíz
mientras yo solo quiero bailar rock and roll
Con las chamacas bailando y mis amigos gozando
junto con ellos te quisiera ver,
pero a ti tan solo el vals te convence
y un nuevo nombre te voy a poner
presumida, presumida, presumida, presumida..”
Presumida era un tema clásico del rock´n´roll (High Class Baby de Cliff Richard) que los inolvidables mexicanos Teen Tops habían adaptado a nuestra lengua, al igual que muchos otros clásicos del género.
La agradable sorpresa era que esta versión cofrádica era inigualablemente hardrockera, con mucha fuerza y distorsión, con mucho punch y me siguió dando vueltas en la cabeza por mucho tiempo, una pena que no haya quedado un registro de ella.
No hace mucho volví a recordar aquella Presumida, y se lo comenté a Carlos Mariño, que me devolvió un: “Te acordás loco, esa versión era muy de Morcy”, mientras que Carlitos Pinchevsky, el hermano del gran violinista, cuando se acordó se puso a cantarla con la misma impronta de aquella legendaria Cofradía.
Yendo desde Berisso, cruzábamos a pié el dock central del Puerto La Plata para llegar ahí unos metros más al Club YPF de Ensenada. En aquella noche de 1971, en aquel sitio se presentaba La Cofradía de la Flor Solar, junto a los ensenadenses Idea como teloneros.
Para todos los que por acá seguíamos al incipiente rock rioplatense, la Cofradía era por entonces, para nosotros, una especie de patrimonio regional ineludible. El grupo platense realizó sus temas acostumbrados, muchos de los cuales hoy son conocidos por haber sido grabados, pero la sorpresa iba a ser cuando se irían a lanzar con un cover inolvidable del rock´n´roll.
“Nos veremos presumida no te puedo aguantar
esas puntadas tuyas no las puedo pasar
tu sin caviar y sin faisán no vives felíz
mientras yo solo quiero bailar rock and roll
Con las chamacas bailando y mis amigos gozando
junto con ellos te quisiera ver,
pero a ti tan solo el vals te convence
y un nuevo nombre te voy a poner
presumida, presumida, presumida, presumida..”
Presumida era un tema clásico del rock´n´roll (High Class Baby de Cliff Richard) que los inolvidables mexicanos Teen Tops habían adaptado a nuestra lengua, al igual que muchos otros clásicos del género.
La agradable sorpresa era que esta versión cofrádica era inigualablemente hardrockera, con mucha fuerza y distorsión, con mucho punch y me siguió dando vueltas en la cabeza por mucho tiempo, una pena que no haya quedado un registro de ella.
No hace mucho volví a recordar aquella Presumida, y se lo comenté a Carlos Mariño, que me devolvió un: “Te acordás loco, esa versión era muy de Morcy”, mientras que Carlitos Pinchevsky, el hermano del gran violinista, cuando se acordó se puso a cantarla con la misma impronta de aquella legendaria Cofradía.
7.03.2009
FM La Verde 94.1 online desde Villa Elisa
Ya podemos escuchar online desde Villa Elisa, la Radio de nuestro gran amigo Carlos Mariño el pionero del rock de La Plata.
http://www.laverdefm.com.ar/
http://www.laverdefm.com.ar/
6.20.2009
Punch, Miguel Cantilo junto a músicos platenses
Miguel Cantilo aquel legendario integrante del dúo Pedro y Pablo siempre anduvo ligado a gente de la Plata, tal vez por ser nieto de uno de los fundadores de City Bell.
Miguel fue un asiduo visitante de la comunidad de la Cofradía y con algunos de ellos emigraría a El Bolsón donde en 1973 grabarían un larga duración llamado Miguel Cantilo y el Grupo Sur que recién se editaría en el 75. Un álbum excelente con tintes psicodélicos del que en otra ocasión nos vamos a referir específicamente.
Miguel se exiliaría por aquella época primero en Colombia y luego en España donde se iría a reencontrar con otros miembros de la Cofradía.
Fue allí donde formarían Punch, allá por 1979, junto al baterista Isa Portugheis (ex Diplodocum, La Cofradía y La Pesada del rock), el bajista Morci Requena (ex La Cofradía), el guitarrista Quique Gornatti (ex La Cofradía y Sol) y Fernando Huici, un español de Pamplona en teclados.
El grupo tendría asiduas presentaciones en Mallorca incluso grabando un disco simple en Madrid por intermedio de Jorge Álvarez también exiliado por entonces, quien había sido uno de los creadores del mítico sello discográfico argentino Mandioca allá por finales de los sesenta.
Decidieron volver a Buenos Aires para grabar un demo no publicado en España, y así saldría el larga duración “A donde quiera que voy” realizado en 1980. El nombre de la placa sería un tema con mucha difusión, y que recomiendo escuchar en su nueva versión de 2005 realizado por Miguel y Fabiana Cantilo. Con un estilo muy New Wave y unas indumentarias muy lejanas a su pasado más bien hippie, Punch no fue muy entendido por entonces, pero ellos eran tal vez el antecedente principal de lo que serían más adelante tanto los nuevos Abuelos de la Nada como Virus. Personalmente en su primer disco me gustan los temas “Lava blanca luna” y el reggae “La Serpiente”.
En 1981 grabarían su segundo disco denominado “En la jungla” donde se destacan temas como “La gente del futuro” y “La jungla tropical”.
Miguel Cantilo después de esto volvería a reencontrase con Jorge Durietz y volverían a reeditar a aquel gran dúo Pedro y Pablo convirtiéndose el resto de Punch en la banda de apoyo a estos.
5.27.2009
Sacramento
Tras su álbum de 1970, El Rock de la Mujer Perdida, Los Gatos irían a disolverse y algunos de ellos, Ciro, Pappo, Moro y Alfredo Toth emigrarían a Europa, y allí actuarían con el nombre de la mítica banda argentina. Luego también se sumarían David Lebón y el batero Roberto "Corre" López. Este dato es interesante resaltarlo ya que a la vuelta por Buenos Aires en 1972, algunos de ellos: El tecladista Ciro Fogliatta, Alfredo Toth y Corre, formarían la agrupación Sacramento junto Bocón Frascino y Ricardo Jelicie, estos últimos dos, oriundos del Oeste, habían sido parte de Engranaje, y Bocón además bajista de Pescado Rabioso. La nueva formación tendría a dos guitarristas que se habían desempeñado anteriormente como bajistas, Bocón y Toth, Jelicie sería el bajista y vocalista de la banda, Corre López el batero y en teclados Ciro.
La agrupación iría a lograr un sonido bastante peculiar, con muy buenos arreglos donde los teclados de Fogliatta por momentos nos recordarían al Stevie Winwood de Traffic, y con un vocalista como Jelicie que llevaba la marca indeleble de las bandas argentinas de entonces.
Sacramento irían a editar un larga duración en 1972 para RCA Victor, un disco de gran factura que nadie debiera dejar de escuchar, pero lamentablemente la agrupación iba a tener vida muy corta, y un segundo álbum que ya tenían listo nunca pudo ser editado.
Sin dudas Sacramento fue una estrella fugaz.
La agrupación iría a lograr un sonido bastante peculiar, con muy buenos arreglos donde los teclados de Fogliatta por momentos nos recordarían al Stevie Winwood de Traffic, y con un vocalista como Jelicie que llevaba la marca indeleble de las bandas argentinas de entonces.
Sacramento irían a editar un larga duración en 1972 para RCA Victor, un disco de gran factura que nadie debiera dejar de escuchar, pero lamentablemente la agrupación iba a tener vida muy corta, y un segundo álbum que ya tenían listo nunca pudo ser editado.
Sin dudas Sacramento fue una estrella fugaz.
5.12.2009
Montes
Allá por los finales de los 60, cuando irrumpían en la Argentina los nuevos grupos como Manal, Almendra, Vox Dei y Arco Iris, paralelamente se daba un fenómeno que llamábamos música comercial o complaciente, y que algunos llamaban “beat” a secas.
Los representantes más conocidos eran conjuntos como Los Náufragos, Safari, Trocha Angosta, Banana, Pomada, Séptima Brigada, La Joven Guardia, entre muchos más.
Creo que hay un desfasaje en la historia de nuestro rock desde aquel momento a la actualidad, ya que entrado los 80 hasta hoy, se colocaron en esa historia a bandas que en aquel momento inicial hubieran estado del lado de los mencionados complacientes, y no hubieran sido tenidas en cuenta como agrupaciones de rock.
La impronta de la música progresiva a finales de los 60 iría también a ganar nuevos adeptos de aquellos que hasta ese momento sólo editaban discos simples para ser hit bailable. Un caso interesante fue el viraje de La Joven Guardia que de haberse hecho popular con “El extraño del pelo largo” y “La extraña de las botas rosas” logró pasar a hacer un rock bastante interesante con letras comprometidas, y que le permitiría al grupo ser parte del primer BAROCK de 1970 en el Velódromo Municipal.
La Séptima Brigada fue una agrupación que pegó dos éxitos comerciales con los temas Paco Camorra y Juan Camelo, con letras divertidas y música bailable, pero lo que llamaba bastante la atención eran los arreglos de guitarra inusuales para ese tipo de temas y eso hacía que uno se preguntara quien era el violero del grupo. Es así que uno se entera de la existencia del Negro Jorge Montes, y lo que nos iba a sorprender favorablemente es cuando la Revista Pelo confirmaría la ida del guitarrista de aquella formación para enrolarse en las filas del nuevo rock y que además también él iba a ser parte del Primer BAROCK del 70.
Montes le decía a Pelo: “El único método es seguir estudiando y evolucionando constantemente. Hay que desterrar de uno las limitaciones. No dejar que ciertos tipos te hagan perder el tiempo (lease chantas). Esto lo digo porque es un poco difícil combatir el punto de vista de personas ajenas al rock.”
Jorge no trascendió demasiado en Buenos Aires por ese entonces y emigró a Bolivia donde conformaría Montes Mahatma y con ellos partciparía del BAROCK de 1972, y tras algunas actuaciones en la Argentina alcanzaría grabar su álbum "Cuando Brille el tiempo",
Para mi sorpresa este álbum es hoy uno de los discos más buscados por los coleccionistas europeos y estadounidenses, del rock sudamericano. Jorge Montes fue uno de esos grandes guitarristas del rock argentino que hoy están casi en el olvido, y que debieran volver a ser tenidos en cuenta si es que queremos ser fieles a la historia que nos construyó.
Los representantes más conocidos eran conjuntos como Los Náufragos, Safari, Trocha Angosta, Banana, Pomada, Séptima Brigada, La Joven Guardia, entre muchos más.
Creo que hay un desfasaje en la historia de nuestro rock desde aquel momento a la actualidad, ya que entrado los 80 hasta hoy, se colocaron en esa historia a bandas que en aquel momento inicial hubieran estado del lado de los mencionados complacientes, y no hubieran sido tenidas en cuenta como agrupaciones de rock.
La impronta de la música progresiva a finales de los 60 iría también a ganar nuevos adeptos de aquellos que hasta ese momento sólo editaban discos simples para ser hit bailable. Un caso interesante fue el viraje de La Joven Guardia que de haberse hecho popular con “El extraño del pelo largo” y “La extraña de las botas rosas” logró pasar a hacer un rock bastante interesante con letras comprometidas, y que le permitiría al grupo ser parte del primer BAROCK de 1970 en el Velódromo Municipal.
La Séptima Brigada fue una agrupación que pegó dos éxitos comerciales con los temas Paco Camorra y Juan Camelo, con letras divertidas y música bailable, pero lo que llamaba bastante la atención eran los arreglos de guitarra inusuales para ese tipo de temas y eso hacía que uno se preguntara quien era el violero del grupo. Es así que uno se entera de la existencia del Negro Jorge Montes, y lo que nos iba a sorprender favorablemente es cuando la Revista Pelo confirmaría la ida del guitarrista de aquella formación para enrolarse en las filas del nuevo rock y que además también él iba a ser parte del Primer BAROCK del 70.
Montes le decía a Pelo: “El único método es seguir estudiando y evolucionando constantemente. Hay que desterrar de uno las limitaciones. No dejar que ciertos tipos te hagan perder el tiempo (lease chantas). Esto lo digo porque es un poco difícil combatir el punto de vista de personas ajenas al rock.”
Jorge no trascendió demasiado en Buenos Aires por ese entonces y emigró a Bolivia donde conformaría Montes Mahatma y con ellos partciparía del BAROCK de 1972, y tras algunas actuaciones en la Argentina alcanzaría grabar su álbum "Cuando Brille el tiempo",
Para mi sorpresa este álbum es hoy uno de los discos más buscados por los coleccionistas europeos y estadounidenses, del rock sudamericano. Jorge Montes fue uno de esos grandes guitarristas del rock argentino que hoy están casi en el olvido, y que debieran volver a ser tenidos en cuenta si es que queremos ser fieles a la historia que nos construyó.
5.11.2009
Contraluz
El rock para fines de los sesenta comenzaba a diversificarse, se empezaban a dar patchworks originales, producto de la integración con otras tendencias musicales y con la incorporación de instrumentos no convencionales a las formaciones usuales del rock.
Es así como surgen fusiones con el jazz, con lo latino, con lo clásico, y todo esto con el factor común de la experimentación y la búsqueda de nuevos efectos que rompan con el ideario del sentido común o en otros términos logre amplificar y distorsionar la percepción de la realidad.
La Argentina no era una excepción al respecto y fue así que por estos lados también comenzaban a surgir con impronta propia grupos que fusionaban el rock con el jazz como Alma & Vida y Sanata & Clarificación, o el rock con lo latino al estilo Santana, como fue Zandunga, luego Katunga. Por aquellos tiempos emergía una banda británica con un sonido muy particular, casi inigualable, que era Jethro Tull, donde descollaba la flauta traversa de Ian Anderson, y lo significativo iba a ser que también nosotros tuviéramos cultores de ese estilo, y esta experiencia local se llamó Contraluz.
El grupo tenía como origen la Zona Norte del Gran Buenos Aires, y en un inicio constituían Lemon, un trío que hacía temas en inglés y que estaba integrado por Carlos Barrio en guitarra, Nestor Barrio en batería y Alfredo Prochnick en bajo.
Se sumaria a ellos Alejandro Barzi como vocalista y en flauta traversa y tomarían el nombre de Contraluz. Ellos participarían del primer BAROCK de 1970.
Tuve la suerte de verlos en un Festival en La Plata en 1971 que se realizaría en el viejo Comedor Universitario de 1 y 50 que fuera organizado por Carlos Mariño y que se extendería por todo un fin de semana donde también actuarían entre otros La Cofradía de la Flor Solar, Héctor Starc y la Bola de Ruido, La Banda del Oeste, Sol, entre muchos más. Fue aquella una gran actuación y fue además un memorable festival, en una época donde Patricio Rey estaba muy activo en La Plata organizando cosas como estas. La foto que sigue es de DosPotencias y es precisamente de aquel encuentro.
Contraluz editarían para aquel entonces un larga duración en 1973 que se llamó Americanos y dos simples: Indios sin prisión en 1973 y Harvest en 1974.
Después de muchos años la banda volvería a juntarse en el año 2000 con los hermanos Barrio y Puchnick sumando a la formación a Jaime Fernández Madero en teclados y voz. En su nueva etapa grabarían dos nuevos discos El Pasaje y Ramos Generales en los años 2000 y 2003 respectivamente, donde muestran una muy buena integración ya madura entre el rock, lo sinfónico y el folklore.
Es así como surgen fusiones con el jazz, con lo latino, con lo clásico, y todo esto con el factor común de la experimentación y la búsqueda de nuevos efectos que rompan con el ideario del sentido común o en otros términos logre amplificar y distorsionar la percepción de la realidad.
La Argentina no era una excepción al respecto y fue así que por estos lados también comenzaban a surgir con impronta propia grupos que fusionaban el rock con el jazz como Alma & Vida y Sanata & Clarificación, o el rock con lo latino al estilo Santana, como fue Zandunga, luego Katunga. Por aquellos tiempos emergía una banda británica con un sonido muy particular, casi inigualable, que era Jethro Tull, donde descollaba la flauta traversa de Ian Anderson, y lo significativo iba a ser que también nosotros tuviéramos cultores de ese estilo, y esta experiencia local se llamó Contraluz.
El grupo tenía como origen la Zona Norte del Gran Buenos Aires, y en un inicio constituían Lemon, un trío que hacía temas en inglés y que estaba integrado por Carlos Barrio en guitarra, Nestor Barrio en batería y Alfredo Prochnick en bajo.
Se sumaria a ellos Alejandro Barzi como vocalista y en flauta traversa y tomarían el nombre de Contraluz. Ellos participarían del primer BAROCK de 1970.
Tuve la suerte de verlos en un Festival en La Plata en 1971 que se realizaría en el viejo Comedor Universitario de 1 y 50 que fuera organizado por Carlos Mariño y que se extendería por todo un fin de semana donde también actuarían entre otros La Cofradía de la Flor Solar, Héctor Starc y la Bola de Ruido, La Banda del Oeste, Sol, entre muchos más. Fue aquella una gran actuación y fue además un memorable festival, en una época donde Patricio Rey estaba muy activo en La Plata organizando cosas como estas. La foto que sigue es de DosPotencias y es precisamente de aquel encuentro.
Contraluz editarían para aquel entonces un larga duración en 1973 que se llamó Americanos y dos simples: Indios sin prisión en 1973 y Harvest en 1974.
Después de muchos años la banda volvería a juntarse en el año 2000 con los hermanos Barrio y Puchnick sumando a la formación a Jaime Fernández Madero en teclados y voz. En su nueva etapa grabarían dos nuevos discos El Pasaje y Ramos Generales en los años 2000 y 2003 respectivamente, donde muestran una muy buena integración ya madura entre el rock, lo sinfónico y el folklore.
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