Transcurría el año 1984. "Owner of a Lonely Heart" de la banda británica Yes era uno de los temas más
escuchados. Por entonces un éxito discográfico. En cualquier televisor
encendido podía verse el videoclip o también oírlo en alguna estación radial de
las novedosas FM (Radios de Frecuencia Modulada). No está de más recordar que
desde el 1º de Mayo de 1980 existía oficialmente en la Argentina la TV en
color. Era un tiempo en el cual -a partir del regreso de la democracia- se
declamaba que todo lo valioso de la década precedente debía retornar: la música
de rock o las ideas de izquierda. Pero todo lo que volvía ya no era igual. Algo
había cambiado.
Yes fue conformado en 1968 en
Londres. Desde sus inicios la agrupación comenzó a desarrollar un sonido
característico de rock con fusiones de jazz. Es de destacar que con la llegada
en 1972 del tecladista Rick Wakeman la banda lograría un sonido muy particular
que alinearía al grupo junto a otros grandes exponentes del rock progresivo y
sinfónico de entonces: Pink Floyd; Genesis; King Crimson; Emerson, Lake &
Palmer. Wakeman había sido un pianista de música clásica que pasó a utilizar
una multitud de teclados electrónicos de última generación. Con Yes incorporarían
a las grabaciones a una orquesta sinfónica y un coro. Eran los tiempos de
búsquedas sofisticadas y la creación de obras conceptuales. En 1972 lanzarían
el álbum Close to the Edge
inspirado en el Siddhartha de Herman Hesse. Un año después tendría lugar Tales from Topographic Oceans,
obra también conceptual escrita por Jon Anderson y Steve Howe. El clásico
sonido progresivo de Yes llegaría hasta 1979. A partir de ahí la banda quedaría
casi desarticulada y algunos de sus miembros propusieron tomarse un descanso.
Wakeman y Anderson por ese entonces se inclinarían hacia la música étnica y New
Age.
En 1982 los sobrevivientes de
Yes alinearon al guitarrista sudafricano Trevor Rabin y allí comenzaba la nueva
versión de la banda. Rabin lejos de provenir de la tradición progresiva era un
virtuoso guitarrista que cultivaba el hard rock, el pop y el techno rock con lo
que Yes adquiriría un sonido mucho más comercial y con llegada a un público
masivo. En octubre de 1983 la nueva
formación grabaría el álbum que llevaría como nombre 90125 en alusión al número de catálogo de elepés en el
registro del sello Atlantic Records. El tema Owner of a Lonely Heart llegó a ubicarse por
varias semanas en el número uno de los rankings de popularidad. Por su parte el
tema instrumental Cinema le permitiría al grupo recibir en 1984 el Premio
Grammy que sería el único alcanzado por Yes a lo largo de toda su historia. En
febrero de 1985 la banda se presentaría en la Argentina en un colmado estadio
de Vélez Sarsfield.
El pasaje de un estilo sofisticado y de búsquedas a otro de tipo más bien comercial no fue una exclusividad de Yes. Hubo otros grupos como Genesis, Supertramp o Fleetwood Mac sólo por nombrar algunos que hicieron el mismo camino. Si bien es factible realizar una crítica al cambio de estilo hay que señalar que la calidad instrumental de esas bandas resultaba superlativa. Mientras en Europa se imponía un tipo de música pop rock en donde emergían bandas como The Police, U2, Depeche Mode, Queen; en los Estados Unidos reinaba la música disco heredera del soul y el rhythm & blues. Michael Jackson era su principal exponente. La conversión al mainstream y la música pop debe entenderse como resultado de un vertiginoso cambio de época no siempre perceptible.
Las décadas del 60 y 70 son valoradas como tiempos de cambio, de revuelta y contracultura. Sobre ello se ha escrito mucho y se sigue escribiendo. Es una necesidad hacerlo. Los 90 son considerados como la etapa en la cual se impondría el neoliberalismo y el pensamiento único heredero del proclamado fin de la historia. Por su parte los años 80 pareciera que no tuvieran grandes hitos para resaltar. Fue una década casi sin épica, una vuelta al sentido común más rutinario. Sin embargo los 80 representan un tiempo refundacional del capitalismo global. Nada de lo que hoy ocurre podría entenderse sin saber mínimamente qué representó dicho período. Si en los 90 el neoliberalismo se hace perceptible es porque sus cimientos fueron realizados un tiempo atrás. Lo social, lo económico y lo cultural se transformarían sustancialmente. Los cambios en las disciplinas artísticas responden a ese proceso, se enmarcan en él. Se produce el fin de la sociedad de masas. Se comienza a constituir lo social como el entramado complejo de círculos íntimos con lo que devienen las mayorías silenciosas.
Si bien el fenómeno mainstream es posible a partir de una difusión extremadamente masiva en la que sus instrumentos comunicacionales se revolucionarizan permanentemente cabe destacar que no apuntan a conformar colectivos sociales sino a desmantelarlos construyendo una cultura del hedonismo individualista en la que priman los círculos reducidos, los espacios de privacidad y el resguardo de la multitud.
El fenómeno de la
discoteca
Si bien los locales a los que los jóvenes acudían para bailar música grabada tuvieron sus inicios promediando la década del 70, los mismos fueron lugares predominantes en los 80. En la Argentina los denominados boliches bailables desplazarían a los bailes populares a partir de 1976. Vuelta la democracia no habría cambios al respecto. Los lugares cerrados no sólo seguirían sino que se tornarían mucho más sofisticados.
En 1977 se crearía en Manhattan (EEUU) la célebre discoteca Studio 54. Allí se daban cita personajes famosos como Andy Warhol, Mick Jagger, Salvador Dalí, Liza Minelli, Cher, Woody Allen y Frank Sinatra. El rasgo particular de Studio 54 era que el ingreso al lugar no estaba asegurado. La gran afluencia de jóvenes podía verse en las puertas del lugar intentando ser aceptados para ingresar. Se imponía el derecho de admisión. Si bien las discotecas eran masivas, el fenómeno de las luces y la intensidad del sonido propiciaban una cierta imagen de aislamiento. El resto podía ser visto como un decorado necesario. Por esta razón se señalaba por entonces que si un grupo de amigos quería festejar como en su casa debía hacerlo en la disco. La arquitectura de las grandes discotecas ofrecía diferentes pistas de baile y lugares reservados que sujetos a las sofisticadas iluminaciones propiciaban la ilusión de estar en un lugar no público. La música que emergía en los 80 debía adaptarse a estos nuevos lugares en los que lo social sería desplazado por una perspectiva íntima y privada. Es interesante rastrear estas características en el cine de la época. Esto se potenciaría en los 90 y hasta hoy mantiene vigencia.
