"Presumida" en versión cofrádica

Esto que voy a relatar es antes que nada un grato recuerdo.
Yendo desde Berisso, cruzábamos a pié el dock central del Puerto La Plata para llegar ahí unos metros más al Club YPF de Ensenada. En aquella noche de 1971, en aquel sitio se presentaba La Cofradía de la Flor Solar, junto a los ensenadenses Idea como teloneros.


Para todos los que por acá seguíamos al incipiente rock rioplatense, la Cofradía era por entonces, para nosotros, una especie de patrimonio regional ineludible. El grupo platense realizó sus temas acostumbrados, muchos de los cuales hoy son conocidos por haber sido grabados, pero la sorpresa iba a ser cuando se irían a lanzar con un cover inolvidable del rock´n´roll.

“Nos veremos presumida no te puedo aguantar
esas puntadas tuyas no las puedo pasar
tu sin caviar y sin faisán no vives felíz
mientras yo solo quiero bailar rock and roll

Con las chamacas bailando y mis amigos gozando
junto con ellos te quisiera ver,
pero a ti tan solo el vals te convence
y un nuevo nombre te voy a poner
presumida, presumida, presumida, presumida..”

Presumida era un tema clásico del rock´n´roll (High Class Baby de Cliff Richard) que los inolvidables mexicanos Teen Tops habían adaptado a nuestra lengua, al igual que muchos otros clásicos del género.
La agradable sorpresa era que esta versión cofrádica era inigualablemente hardrockera, con mucha fuerza y distorsión, con mucho punch y me siguió dando vueltas en la cabeza por mucho tiempo, una pena que no haya quedado un registro de ella.

No hace mucho volví a recordar aquella Presumida, y se lo comenté a Carlos Mariño, que me devolvió un: “Te acordás loco, esa versión era muy de Morcy”, mientras que Carlitos Pinchevsky, el hermano del gran violinista, cuando se acordó se puso a cantarla con la misma impronta de aquella legendaria Cofradía.

FM La Verde 94.1 online desde Villa Elisa

Ya podemos escuchar online desde Villa Elisa, la Radio de nuestro gran amigo Carlos Mariño el pionero del rock de La Plata.

http://www.laverdefm.com.ar/

Punch, Miguel Cantilo junto a músicos platenses

Miguel Cantilo aquel legendario integrante del dúo Pedro y Pablo siempre anduvo ligado a gente de la Plata, tal vez por ser nieto de uno de los fundadores de City Bell.
Miguel fue un asiduo visitante de la comunidad de la Cofradía y con algunos de ellos emigraría a El Bolsón donde en 1973 grabarían un larga duración llamado Miguel Cantilo y el Grupo Sur que recién se editaría en el 75. Un álbum excelente con tintes psicodélicos del que en otra ocasión nos vamos a referir específicamente.
Miguel se exiliaría por aquella época primero en Colombia y luego en España donde se iría a reencontrar con otros miembros de la Cofradía.
Fue allí donde formarían Punch, allá por 1979, junto al baterista Isa Portugheis (ex Diplodocum, La Cofradía y La Pesada del rock), el bajista Morci Requena (ex La Cofradía), el guitarrista Quique Gornatti (ex La Cofradía y Sol) y Fernando Huici, un español de Pamplona en teclados.

El grupo tendría asiduas presentaciones en Mallorca incluso grabando un disco simple en Madrid por intermedio de Jorge Álvarez también exiliado por entonces, quien había sido uno de los creadores del mítico sello discográfico argentino Mandioca allá por finales de los sesenta.
Decidieron volver a Buenos Aires para grabar un demo no publicado en España, y así saldría el larga duración “A donde quiera que voy” realizado en 1980. El nombre de la placa sería un tema con mucha difusión, y que recomiendo escuchar en su nueva versión de 2005 realizado por Miguel y Fabiana Cantilo. Con un estilo muy New Wave y unas indumentarias muy lejanas a su pasado más bien hippie, Punch no fue muy entendido por entonces, pero ellos eran tal vez el antecedente principal de lo que serían más adelante tanto los nuevos Abuelos de la Nada como Virus. Personalmente en su primer disco me gustan los temas “Lava blanca luna” y el reggae “La Serpiente”.
En 1981 grabarían su segundo disco denominado “En la jungla” donde se destacan temas como “La gente del futuro” y “La jungla tropical”.
Miguel Cantilo después de esto volvería a reencontrase con Jorge Durietz y volverían a reeditar a aquel gran dúo Pedro y Pablo convirtiéndose el resto de Punch en la banda de apoyo a estos.

Sacramento

Tras su álbum de 1970, El Rock de la Mujer Perdida, Los Gatos irían a disolverse y algunos de ellos, Ciro, Pappo, Moro y Alfredo Toth emigrarían a Europa, y allí actuarían con el nombre de la mítica banda argentina. Luego también se sumarían David Lebón y el batero Roberto "Corre" López. Este dato es interesante resaltarlo ya que a la vuelta por Buenos Aires en 1972, algunos de ellos: El tecladista Ciro Fogliatta, Alfredo Toth y Corre, formarían la agrupación Sacramento junto Bocón Frascino y Ricardo Jelicie, estos últimos dos, oriundos del Oeste, habían sido parte de Engranaje, y Bocón además bajista de Pescado Rabioso. La nueva formación tendría a dos guitarristas que se habían desempeñado anteriormente como bajistas, Bocón y Toth, Jelicie sería el bajista y vocalista de la banda, Corre López el batero y en teclados Ciro.


La agrupación iría a lograr un sonido bastante peculiar, con muy buenos arreglos donde los teclados de Fogliatta por momentos nos recordarían al Stevie Winwood de Traffic, y con un vocalista como Jelicie que llevaba la marca indeleble de las bandas argentinas de entonces.
Sacramento irían a editar un larga duración en 1972 para RCA Victor, un disco de gran factura que nadie debiera dejar de escuchar, pero lamentablemente la agrupación iba a tener vida muy corta, y un segundo álbum que ya tenían listo nunca pudo ser editado.
Sin dudas Sacramento fue una estrella fugaz.

Montes

Allá por los finales de los 60, cuando irrumpían en la Argentina los nuevos grupos como Manal, Almendra, Vox Dei y Arco Iris, paralelamente se daba un fenómeno que llamábamos música comercial o complaciente, y que algunos llamaban “beat” a secas.
Los representantes más conocidos eran conjuntos como Los Náufragos, Safari, Trocha Angosta, Banana, Pomada, Séptima Brigada, La Joven Guardia, entre muchos más.
Creo que hay un desfasaje en la historia de nuestro rock desde aquel momento a la actualidad, ya que entrado los 80 hasta hoy, se colocaron en esa historia a bandas que en aquel momento inicial hubieran estado del lado de los mencionados complacientes, y no hubieran sido tenidas en cuenta como agrupaciones de rock.
La impronta de la música progresiva a finales de los 60 iría también a ganar nuevos adeptos de aquellos que hasta ese momento sólo editaban discos simples para ser hit bailable. Un caso interesante fue el viraje de La Joven Guardia que de haberse hecho popular con “El extraño del pelo largo” y “La extraña de las botas rosas” logró pasar a hacer un rock bastante interesante con letras comprometidas, y que le permitiría al grupo ser parte del primer BAROCK de 1970 en el Velódromo Municipal.
La Séptima Brigada fue una agrupación que pegó dos éxitos comerciales con los temas Paco Camorra y Juan Camelo, con letras divertidas y música bailable, pero lo que llamaba bastante la atención eran los arreglos de guitarra inusuales para ese tipo de temas y eso hacía que uno se preguntara quien era el violero del grupo. Es así que uno se entera de la existencia del Negro Jorge Montes, y lo que nos iba a sorprender favorablemente es cuando la Revista Pelo confirmaría la ida del guitarrista de aquella formación para enrolarse en las filas del nuevo rock y que además también él iba a ser parte del Primer BAROCK del 70.

Montes le decía a Pelo: “El único método es seguir estudiando y evolucionando constantemente. Hay que desterrar de uno las limitaciones. No dejar que ciertos tipos te hagan perder el tiempo (lease chantas). Esto lo digo porque es un poco difícil combatir el punto de vista de personas ajenas al rock.”
Jorge no trascendió demasiado en Buenos Aires por ese entonces y emigró a Bolivia donde conformaría Montes Mahatma y con ellos partciparía del BAROCK de 1972, y tras algunas actuaciones en la Argentina alcanzaría grabar su álbum "Cuando Brille el tiempo",

Para mi sorpresa este álbum es hoy uno de los discos más buscados por los coleccionistas europeos y estadounidenses, del rock sudamericano. Jorge Montes fue uno de esos grandes guitarristas del rock argentino que hoy están casi en el olvido, y que debieran volver a ser tenidos en cuenta si es que queremos ser fieles a la historia que nos construyó.

Contraluz

El rock para fines de los sesenta comenzaba a diversificarse, se empezaban a dar patchworks originales, producto de la integración con otras tendencias musicales y con la incorporación de instrumentos no convencionales a las formaciones usuales del rock.
Es así como surgen fusiones con el jazz, con lo latino, con lo clásico, y todo esto con el factor común de la experimentación y la búsqueda de nuevos efectos que rompan con el ideario del sentido común o en otros términos logre amplificar y distorsionar la percepción de la realidad.
La Argentina no era una excepción al respecto y fue así que por estos lados también comenzaban a surgir con impronta propia grupos que fusionaban el rock con el jazz como Alma & Vida y Sanata & Clarificación, o el rock con lo latino al estilo Santana, como fue Zandunga, luego Katunga. Por aquellos tiempos emergía una banda británica con un sonido muy particular, casi inigualable, que era Jethro Tull, donde descollaba la flauta traversa de Ian Anderson, y lo significativo iba a ser que también nosotros tuviéramos cultores de ese estilo, y esta experiencia local se llamó Contraluz.
El grupo tenía como origen la Zona Norte del Gran Buenos Aires, y en un inicio constituían Lemon, un trío que hacía temas en inglés y que estaba integrado por Carlos Barrio en guitarra, Nestor Barrio en batería y Alfredo Prochnick en bajo.
Se sumaria a ellos Alejandro Barzi como vocalista y en flauta traversa y tomarían el nombre de Contraluz. Ellos participarían del primer BAROCK de 1970.

Tuve la suerte de verlos en un Festival en La Plata en 1971 que se realizaría en el viejo Comedor Universitario de 1 y 50 que fuera organizado por Carlos Mariño y que se extendería por todo un fin de semana donde también actuarían entre otros La Cofradía de la Flor Solar, Héctor Starc y la Bola de Ruido, La Banda del Oeste, Sol, entre muchos más. Fue aquella una gran actuación y fue además un memorable festival, en una época donde Patricio Rey estaba muy activo en La Plata organizando cosas como estas. La foto que sigue es de DosPotencias y es precisamente de aquel encuentro.

Contraluz editarían para aquel entonces un larga duración en 1973 que se llamó Americanos y dos simples: Indios sin prisión en 1973 y Harvest en 1974.
Después de muchos años la banda volvería a juntarse en el año 2000 con los hermanos Barrio y Puchnick sumando a la formación a Jaime Fernández Madero en teclados y voz. En su nueva etapa grabarían dos nuevos discos El Pasaje y Ramos Generales en los años 2000 y 2003 respectivamente, donde muestran una muy buena integración ya madura entre el rock, lo sinfónico y el folklore.

Jorge Capello- Esteban Ramos

Profecía del 74- Editorial de la Revista Pelo

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Recomiendo sobremanera leer este artículo de Daniel Ripoll, director de la Revista Pelo, que él escribiera allá por marzo de 1974.
Casi como una profecía, Daniel vaticina el devenir de nuestro Rock, y sobre todo cuando este no va acompañado de las ideas que lo fundamentan y sólo es tomado como una moda, un pasatiempo o un simple cliché que me muestre diferente sin serlo.


Toda esta cosa del rock comenzó mezclada con "la paz y el amor". Pero hasta quienes luchaban por eso sabían que la paz no iba a llegar y que el amor permanecería en la galaxia utópica. Pero creer en "la paz y el amor" nos daba fuerzas. Más que una lucha era una lanza mental que descolocaba al enemigo. Eso nos ayudó mucho. Hoy "la paz y el amor" han sido barridos; consumidos, y gastados por el uso. Pertenecen románticamente a la gestación.

Huérfanos de una ideología correcta, nos fuimos apretujando alrededor del rock. Empezamos a darle a esa palabra "una forma de vida", y a esa música una bandera para luchar contra la opresión y la idiotización representada en toda la otra música. Rock comenzó a significar grandes reuniones en festivales al sol ante el asombro de los diarios y la televisión que le contaban a los vecinos cuántos éramos y cómo nos "disfrazábamos".

Había un poco de orgullo en todo eso, había un poco de libertad. A todos los buenos ciudadanos les costó bastante colocarse a la ofensiva. Estaban despistados con la "música estridente", los recitales de "10.000 locos".

Todo el rock seguía soñando, mientras tanto, con convertirse en una cosa grande, en copar los medios de difusión, tener muchos discos para decir cosas y ridiculizar a la otra música complaciente. Decíamos que el rock era fuerte. Que el poder del rock no seria jamás detenido.

Y es cierto: nunca seremos aniquilados Pero si esto sigue así viviremos absorbidos, utilizados y manoseados. El sistema de vida de todos los otros: (porque con eso comen y con eso sueñan,es mucho más hábil y mucho más poderoso de lo que nosotros creemos. Y ya nos encontraron el lado flaco, el flanco por donde atacarnos y dominarnos. Se dieron cuenta que la fuerza y el poder del rock se quedó solamente en rock y que todo lo demás eran ilusiones de matoncitos y "marginados especiales", no de revolucionarios.

Se dieron cuenta que mientras nosotros protestáramos porque no había lugares para escuchar rock, mientras defendiéramos nada más que nuestro pelito largo, el poder del rock era simplemente un movimiento individualista sin pretensión de fuerza. El rock, nuestra música de rock, se convirtió en el único fin.
Muy pocos se dieron cuenta que se trataba de un camino para cantarle al hombre libre y obligar a otros a darse cuenta que aún pueden serlo.

Si esto sigue así no moriremos. Pero en el futuro, estoy seguro, seremos un gran festín para aquéllos contra quienes siempre creímos haber luchado. La verdadera muerte del rock ya está entre nosotros. Muy pronto todos estaremos contagiados.
Muchos idiotas ven esto como una batalla entre rock y música complaciente. Pero eso es falso. Tan falso como para los otros que saben que eliminando el rock no te eliminan a vos.

Nosotros seremos absorbidos porque no sabemos quiénes somos, porque no tenemos una idea correcta de lo qué se trata. Si mañana nos regalaran todos los parques, todos los teatros y nos dieran el manejo de las radios y las grabadoras seria lo mismo que ahora, nuestra pobre música rock no tendría respuestas para explicarnos qué hacer con todo eso. ¿Quién nos asegura que no cometeremos los mismos errores que ellos, que no nos convertiremos en complacientes y retrógrados como ellos?

Lo único que nos asegura que haremos las cosas como deben hacerse es saber quiénes somos y qué queremos.
No alcanza con ir a los recitales y despreciar lo complaciente.
Eso es masturbarse, no progresión.

Alejandro Medina y la Pesada, junto a los Pinchevsky

Allá por 1973, el ex bajista de Manal, Alejandro Medina iría a presentar en el Teatro Astral su primer trabajo solista acompañado por la Pesada del rock, entre los que se alineaban al menos para esa oportunidad tres músicos de La Plata que eran el violinista Jorge Pinchevsky, su hermano Carlos en percusión y el batero Isa Portugheis. Entre los que completaban la formación estaba nada menos que Charly García en teclados.
Esto que continúa es una nota de la Revista Pelo de entonces, que gentilmente me alcanzó Carlitos Pinchevsky y que vale la pena leer para entender las limitaciones que nuestro rock tenía por entonces y no en lo referente a su calidad musical sino en cuanto a organización y recursos tecnológicos. Esto último es algo que muchas veces se olvida, se da por obvio, se minimiza o ni siquiera es tenido en cuenta.



POR FIN MEDINA- (Revista Pelo)

Sólo Claudio Gabis después de la disolución de Manal consiguió, no sin percances y esperas, poder registrar su obra personal en el disco; dos álbumes en la calle certifican, si no un trabajo de escalada, al menos raptos eventuales de su música. Con todo, desde la misma época en que se comenzó a hablar del primer álbum de Claudio (mayo de 1972) se comenzaba a gestar la idea de un trabajo similar para otro de los integrantes de aquel formidable trío de blues: el bajista Alejandro Medina.
Ahora su álbum está terminado, casi dos años después, después de muchos anuncios de incontables etapas de grabación. Los motivos de la demora son diversos. Pero la cuestión es que ya su trabajo, algo agigantado por la expectativa, está casi por dar a luz.
Anticipándose a ese primer nacimiento Alejandro Medina se presentó con algunos de sus amigos y vecinos en el Teatro Astral para presentar esos trabajos. Después de subir al escenario para acompañar a muchos músicos y como integrante pivote de la Pesada, Medina lo hacía para cantar y tocar su propia música. Una escasa publicitación previa, impidió seguramente que mucha gente que hubiera tenido interés en estar presente no se enterara del asunto. Eso conspiró en parte contra el espectáculo que contó apenas con la mitad de la capacidad del Teatro Astral cubierta.



AMIGO PREVIO

Antes del grupo se presentó Gustav, un solista folk que cantó cubierto de timideces y en voz muy baja un tema suave y amable A! subir al escenario Medina aclaró que se trataba de un cantante austriaco, que había querido de esa manera dar su aporte a los rockeros argentinos.
El grupo que sustentó al bajo de Medina fue en realidad el básico que forma parte de la Pesada: Juan Rodríguez é Isa Portugheis en batería, Jorge Pinchevsky en violín. Lo completaban el hermano de Pinchevsky en tumbadoras, Pepe en saxo y Charlie García, de Sui Géneris, en piano. Lo que llamó muchísimo la atención fue la ausencia de un guitarrista en la formación, carencia que obviamente era suplantada en escena por el violín y el piano. Medina cantó con fuerza y garra, características determinantes de su estilo que parte de las últimas épocas del trío Manal. No obstante incesantes problemas de amplificación, sobre todo en el nivel micrófonos, impidieron obtener detalles más precisos de las intenciones de Medina como autor. Así come su voz se ha destacado últimamente en la interpretación de rocks para otros músicos y agrupaciones, el tema más fuerte y el más aplaudido fue un rock que Alejandro cantó muy arriba.



INTENSA ZAPADA

Algunas zapadas entremezcladas, en las que intervino magistralmente Pinchevsky, además de Medina, fueron secciones muy aplaudidas del recital. Lamentablemente García se pudo acoplar en pocas oportunidades (o al menos eso era lo que llegaba a los oyentes) por notorias dificultades en la amplificación de su piano.
Con todo la bola de sonido tuvo muchos momentos parecidos a los climas que consigue la Pesada, sobre todo como en la época en que también contaba dos bateristas en su formación.
Medina es un valioso elemento del rock nacional, por su fuerza y expresividad en la interpretación de un instrumento generalmente vital pero poco advertido por el público. La aparición de su primer álbum puede convertirse en un elemento motivador de sus propias energías, quizás hasta hoy dispersas y prodigadas en un trabajo limitado a la eventualidad de músico de sesión, faceta donde, sin embargo, ha brindado momentos realmente intensos.
Esta presentación, un poco subterránea por las dificultades antes mencionadas, tal vez vuelva a repetirse con un marco y un apoyo de público más acorde con el acontecimiento, una vez que esté su primer álbum y sea conocido por el público. Cosa que seguramente ocurrirá dentro de muy poco.

Jorge Isaac Pinchevsky en Europa

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Conversando con Carlos Pinchevsky, hermano de Jorge y con Nancy Geymonat, quien fuera la última compañera del violinista, ellos me tiraron algunas puntas que me propuse desarrollar, aunque sea muy difícil contrastar algunos datos. Sin dudas realizar una historia sin fisuras se transforme en un hecho poco probable, y es por esto que éstas son sólo puntas.
Carlos me contaba que cuando Jorge se exilió en Londres allá por el 75, se hizo muy amigo del flautista de Los Jaivas, quien también estaba exiliado junto al resto de aquella célebre banda chilena de rock progresivo y andino. Los Jaivas además de una agrupación musical, eran también una comunidad, que tras el golpe militar que derrocara a Salvador Allende en 1973, se exiliaron en masa dividiéndose entre Londres y Paris.
Tanto Pin como aquel flautista tocaban en la estación del metro y pasaban la gorra para ganar algún dinero, hasta que un día pasara por allí unos de los integrantes de Gong, quien sin dudas se iría a deslumbrar escuchando a estos extraños hippies sudamericanos, y los invitaría a ambos a Planet Gong, la comunidad de la que eran parte los miembros de la psicodélica y progresiva banda anglo francesa que lideraba el australiano Daevid Allen. Jorge se iría a incorporar a Gong e iba a ser parte del álbum “Shamal”, y de “Gong live in Sherwood Forest´1975”.
Aunque ningún integrante de Los Jaivas aparezca como miembro de Gong, según Carlitos Pinchevsky, en el tema tres de Shamal llamado Bambooji, está la mano del chileno, y si lo escuchan es un tema con mucho ingrediente de música andina. Si, en el tema cuatro, Cat In Clark's Shoes es inconfundible la presencia del violinista argentino introduciendo fragmentos tangueros en una composición de jazz rock, y un recitado por lo bajo.
Shamal fue producido por Nick Mason, el baterista de Pink Floyd, y fue grabado en Virgin Records, paradójicamente el mismo sello para el que poco tiempo antes no pudiera grabar su disco La Cofradía de la Flor Solar, por el hecho de habérsele encontrado marihuana en el estuche del violín a Pin, cuando aquella banda platense iba a pasar la aduana inglesa. Por este hecho contaba Nancy Geymonat, Pin iría a estar preso un mes y ser liberado por buena conducta
Shamal es un disco bastante conocido, pero mi sorpresa fue cuando descubrí la existencia del vivo en el bosque de Sherwood en 1975. Este disco es de edición reciente del año 2005. Ni Carlos ni Nancy sabían de esta edición, que por lo demás si uno busca información en la red sólo se encuentra con anuncios de venta del disco y sólo esta muy buena reseña de El Intruso.



Pinchevsky iría a ser parte de ese Gong donde Daevid Allen ya no estaría, y la batuta iba a ser del guitarrista Steve Hillage, quien poco tiempo después de Shamal iría a emprender un camino solista.
Pinchevsky en Europa además de haber sido parte de Gong también lo fue de la banda francesa Clearlight, y acompañó también, presentaciones del nombrado Steve Hillage y también de Steve Hackett cuando este guitarrista tras dejar Genesis iniciara su carrera solista.

EL REGRESO DE CANTURBE Enero 2009

Agradecemos esta información a Silvana Pescedoro

EL REGRESO DE CANTURBE Enero 2009

Una de las bandas más recordadas de rock urbano de los ochenta está de regreso. El grupo sorprendió al mostrar canciones que fusionaban, a la perfección, el rock inglés, el nativo y los aires tangueros de la modernidad. Fue el primer grupo de rock que versionó un tango, en 1983 (Soledad, de Gardel y Le Pera). Canturbe llegó al disco a fines de 1980 con su álbum “El vuelo de los olvidados”, que no pudo llamarse así (la homónima canción planteaba poéticamente el tema de los detenidos-desaparecidos) debido a la censura de la Dictadura Militar. En ese recordado disco estaba como invitado nada menos que Charly García, aún en su etapa tanguera-sinfónica. Varios de esos temas sonaron en muchísimas radios en plena Guerra de Malvinas, un verdadero contrasentido. En 2005 el sello “Viajero Inmóvil” reeditó aquel disco en formato CD en varios países de América, Europa y Japón y la iniciativa fue acompañada por un apoyo inusitado de la prensa, sellos virtuales independientes y los medios de rock progresivo. A raíz de esta repercusión Jorge Garacotche decidió relanzar el proyecto, fue entonces que reunió un grupo de amigos y volvió a los estudios. Lo acompañaron: Kike Gentile Pont, en batería; Moroco, en bajo, y Daniel González, en percusión y coros. Como músicos invitados participan: la cantante Liliana Herrero, el stickista Guillermo Cides, Francisco Huici, en saxo; Eugenio Soria, en bandoneón y Bruno Cecconi en flautas. El nuevo material consta de trece canciones nuevas compuestas por Jorge. Por supuesto que el clima es de neto corte progresivo urbano, retomando aquel viejo estilo, pero enfocado desde la actualidad, sobre todo en lo concerniente a la lírica. La producción artística es del propio Jorge Garacotche y la grabación estuvo a cargo de Fernando Bellini. La producción ejecutiva es de Víctor Hugo Angio. El arte de tapa es de Felipe Surkan y Daniel Oronó. El nuevo disco “Sociedad secreta de melancólicos” está en las bateas desde mediados de diciembre. La edición está a cargo del sello independiente de rock progresivo Viajero Inmóvil.

Recordamos la discografía de Canturbe:

El vuelo de los olvidados (Polygram 1980) músico invitado Charly García.
Bonpland (BMG 1983) participan Norberto Minichilo, José Ogivieki, Rubén Rada.
Clandestino (Yeite 1986)
Del mágico mundo (Yeite 1989)
En venta (Che Discos 1991) participaron Litto Nebbia y María José Cantilo.
Al Flaco, dale gracias (FM de Rock 2008) disco homenaje a Luis A. Spinetta

Contacto:
www.myspace.com/canturbe // E-mail: trivium@ciudad.com.ar

Actualmente Canturbe forma con:

Jorge Garacotche: guitarra - voz
Gabriel Herrera: teclados
Darío “Moroco” Fresone: bajo
Daniel González: percusión – coros – teclados
Federico Rescigno: batería

La impronta del Soul

“I look inside myself and see my heart is black”
Paint it Black- (Jagger- Richards)

“With the power of soul anything is possible”
Power of Soul- (Jimi Hendrix)



Por lejos el soul, no fue simplemente un estilo musical, sino principalmente una actitud, una proclama, una muestra acabada de la dignidad de la población afroamericana. La revolución soul se produciría simultáneamente con la irrupción de la cultura rock, y si bien alcanzarían algunos rasgos comunes, eran ellas, marcas bien diferenciadas que tendrían entre sí una implicancia mutua decisiva y considerable, no siempre muy explicitada, y que considero que hoy debiera alcanzar mayor perceptibilidad. En aquel tiempo esto era casi una obviedad, pero pareciera que con el paso de este, aquella evidencia se hubiese desdibujado.
Tanto el rock como el soul eran hijos directos del rhythm & blues, y no pocos consideran al rock como la versión blanca de ese estilo acompasada a nuevas melodías, mientras que el soul realizaría una operación similar pero reflotando un viejo estilo afroamericano como el gospel.
La irrupción soul se daría de la mano de una importante movilización social como fue el Movimiento por los Derechos Civiles, encabezado por Martin Luther King, el cual promovía derechos para la población negra que en aquel momento eran solamente privativos para los blancos, como así también emergían por entonces grupos radicales como fuera el Black Panther.
Importantes sellos discográficos como Motown y Stax se convertirían en difusores principales del naciente Soul, dando lugar a la aparición de figuras como Ray Charles, James Brown, Salomón Burke y Sam Cooke, sumándose posteriormente Otis Redding, Wilson Picket, Aretha Franklyn, Stevie Wonder, The Tempations, Marvin Gaye, entre muchos más.
Tras el cobarde asesinato de Martin Luther King, el movimiento soul se radicalizaría dando nacimiento a un estilo también más duro como fera el funk, que tuvo a James Brown como uno de sus principales cultores y a esa tremenda banda que muchos descubriríamos en Woodstock y que eran Sly & The Family Stone.
El soul fue desde un inicio negro sobre negro, gospel sobre R&B, pero todos los exponentes de este estilo nunca dejaron de versionar a las estrellas blancas del rock, un resultado magnífico de esto fue por ejemplo un excelente disco de tributo soul a los Beatles. También rockeros como Rare Earth o Spencer Davis Group versionarían a músicos de soul.
Mientras los jóvenes rockeros principalmente británicos se acercaban al blues, y hacían rastreos hacia atrás en el tiempo, con respecto a este estilo simultáneamente irrumpía el soul dándole una impronta muy particular al revisionismo blusero. Los grandes músicos blancos emergentes por aquel entonces pareciera que se hubieran hecho devotos de un nuevo dios, de un dios negro que llevaban por dentro y que llenaba de ritmo africano el alma (el soul). Recordar a Eric Burdon, John Mayall, Mick Jagger, Joe Cocker, Janis Joplin, por nombrar solamente algunos pocos ejemplos, nos dan la certeza de que la mayoría de los rockeros de entonces aunque blancos de piel intentaban acercarse en su alma al color de la raza que hiciera emerger el ritmo más excitante del universo, y porque además era ejercer la autonomía de no ser parte del estabishment.

Concierto de La Primera Flor---------Brotando tras una larga nevada

Con un teatro casi colmado donde se dieran cita gente de todas las edades, como corresponde sin duda a la presentación de una legendaria banda de rock, se produjo en Ensenada el retorno de La Primera Flor que brotó después de la nevada, y hay que decirlo claramente que este reencuentro alcanzó un brillo inusual y estuvo cargado de gran emotividad.

La presentación correspondió a Carlos Mariño, actual manager de la agrupación quien nos relatara algunas historias y recuerdos de la banda en sus inicios, además de hablarnos de Persuasivo, aquel programa de Radio Provincia que allá por 1968 fuera el primer programa radial de rock en Latinoamérica.
Los integrantes de La primera Flor comenzaron a subir al escenario, en primer lugar los más viejos en ella, Willy Rodríguez, Claudio Soldi y Jorge Cantoni, para luego irse sumando Claudio Sichini, Nacho Machado, Lucho Castro, Adrián de Martín, y la gran sorpresa fue la aparición del Topo Rodríguez, hermano de Willy y quien fuera en los setenta el guitarrista del excelente grupo Idea, y que muchos considerábamos como el mejor violero de la región.
El grupo arrancó con “Quiero verte”, un tema con un ritmo infernal, donde el rock se matiza con el candombe, continuando con “El tren”, “Niños de la calle”, “Quieren rock and roll”, “La fuerza de mi rock”, “Blues de Dana” de Arco Iris (el único tema no propio), “Música”, “La Ensenada de Barragán”, “El árbol” (que fuera el tema con el que la agrupación ganara en el 72 el Festival del Teatro del Lago del Bosque), “La Primera Flor” (una balada sumamente emotiva dedicada a Tito Panattieri, desaparecido integrante del grupo) para cerrar haciendo nuevamente “Quiero verte” donde la banda nos deleitara con una tremenda zapada. Tres guitarras, bajo, saxo, teclado, batería y timbaletas que hasta hoy siguen sonando.
Los que estuvimos en el Teatro Municipal de Ensenada nos quedamos con un “Queremos más...”

Apuntes para los que nunca escucharon esta banda

Un sonido de rock y blues con un gran componente afro donde el ritmo de candombe es preponderante. El registro vocal de Willy Rodríguez tiene una gran semejanza con el del británico Stevie Winwood. Tienen una marca muy propia que incluso es difícil de encontrar en las bandas argentinas de aquella época. Tal vez grupos uruguayos de entonces como Psiglo, Tótem o Días de Blues tengan más parentesco con La Primera Flor, y esto indudablemente tiene que ver con la impronta caboverdeana ensenadense.
Si uno tuviera que encontrar otras influencias en su música a mi lo primero que me viene es el Hendrix de Band of the Gypsys, Carlos Santana, algunas cosas de los Allman Brothers, y el ya mencionado Winwood.

Fotos Aníbal Fernández

Unir el arte con la vida- La Cofradía de la Flor Solar

Esta es una muy buena entrevista realizada por Mariel Fitz Patrick al Mono Ricardo Cohen para la excelente Revista Los 70, la cual si bien ya no está saliendo les recomiendo conseguirse los números existentes.


Fundador a mediados de los 60 de La Cofradía de la Flor Solar, junto a un grupo de estudiantes de Bellas Artes, Ricardo Mono Cohén recuerda aquella experiencia de vida comunitaria en la ciudad de La Plata, que, no sólo se anticipó a la moda del hipismo en la Argentina, sino que además se caracterizó por cultivar rasgos propios que la hicieron trascender artísticamente.
- ¿Cuál fue el origen de la Cofradía?
- Éramos una agrupación independiente de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de La Plata que, a fines de 1966, ganamos el centro de estudiantes. Ese triunfo causó conmoción en el ámbito universitario porque, en ese momento eran muy fuertes las agrupaciones de izquierda que venían del peronismo y del Partido Comunista. Nosotros, no sólo no teníamos una estructura partidaria, sino que nuestras propuestas surgían de leer a los poetas norteamericanos de la generación beat como Allen Ginsberg, y a autores argentinos como Baldomero Fernández Moreno, Leopoldo Marechal y Julio Cortázar.
- ¿Estaban influenciados por el movimiento hippie mundial?
- Al principio no sabíamos de los hippies. Cuando se produjo el Mayo Francés hacía un año que estábamos organizados. Luego de la publicidad que se les dio a los manifiestos de la rebelión estudiantil en Europa, muchos creyeron que éramos parte de una organización internacional, porque sus consignas eran bastante parecidas a las nuestras. Nosotros proponíamos algunas cosas bastante delirantes como "la única constante es el cambio".
- ¿Cómo surgió la idea de una experiencia comunitaria?
- Luego del golpe de Juan Carlos Onganía, intervinieron la Escuela de Bellas Artes y la atmósfera se tornó irrespirable.
A partir del cierre del comedor universitario, que era la única posibilidad para muchos estudiantes de poder continuar con sus estudios, un grupo de veinte alumnos desertamos de la facultad y, un poco ambiciosamente, decidimos instalar un comedor alternativo. Con el apoyo de gremios e instituciones. conseguimos donaciones de comida y logramos organizar grandes ollas populares gratuitas en las que llegaron a comer unos 200 estudiantes.
- ¿Ese comedor fue el embrión de La Cofradía?
- Si, porque luego de esa experiencia intentamos organizar una suerte de universidad paralela para lo cual invitamos a muchos de los docentes que habían sido separados de sus cargos por el gobierno militar a dar clases abiertas.
Finalmente, hacia mediados del 67, decidimos alquilar una casa antigua en el centro de La Plata e irnos a vivir juntos, como una forma práctica y económica de continuar con nuestros proyectos colectivos. Queríamos cambiar el mundo y sentíamos que para eso era necesario transformar las relaciones entre las personas.
- ¿Cómo fue vista esa convivencia en aquel momento?
- Que unos veinte chicos y chicas vivieran juntos era bastante escandaloso. Superado el rechazo inicial hacia las barbas, el pelo largo y la ropa estrafalaria, los vecinos finalmente nos aceptaron. Logramos tener una buena relación con la comunidad porque para vivir, reparábamos electrodomésticos, pintábamos carteles, estampábamos ropa y decorábamos bares.
- ¿Cuánto tiempo vivieron en esa casa?
- Sólo unos meses, porque luego nos mudamos a una amplia casona, en las afueras de La Plata, ya que necesitábamos más espacio donde instalar los talleres en los que imprimíamos afiches y hacíamos trabajos manuales en cuero y metal. El terreno tenía un parque muy amplio y muchos que venían de visita desde Buenos Aires o el interior del país, acampaban allí y se formaban grandes comunidades al aire libre,
- ¿Cómo se manejaban con el dinero?
- Intentábamos estar al margen del esquema capitalista.
Todo el ingreso iba a una caja común y cualquiera podía disponer de esa plata, ya que se suponía que lo haría con responsabilidad.
- ¿Cuál era la relación con las drogas?
- En un principio, teníamos mucha ansiedad por saber, conocerlas. Los primeros porros fueron una emoción terrible. Con el tiempo, como éramos una comunidad que estaba basada en las actividades de las que dependíamos para vivir, empezamos a notar que cada vez que aparecía la marihuana, el rendimiento bajaba, por lo que no nos enganchamos con las drogas.
- ¿Tenían alguna consigna que los identificara?
- Sí, una de ellas era: "Si vamos a ser artistas, vivamos artísticamente y decoremos toda nuestra existencia". No concebíamos el hecho de ser artistas sólo unas horas.
- ¿Por qué decidieron formar una banda de rock?
- Como queríamos unir el arte a la vida y el grupo estaba integrado por artistas plásticos, artesanos, poetas y músicos, decidimos ponerle música a lo que hacíamos y componer canciones en castellano que expresaran lo que sentíamos.
- ¿Cuándo y por qué se terminó La Cofradía?
- La experiencia duró hasta principios de 1972, porque en febrero de ese año la policía secuestró a miembros de la comunidad y los tuvo desaparecidos durante varios días. La persecución se agravó y decidimos esperar hasta que aclarara. Tomamos diversos rumbos con la promesa de volver a juntarnos pero todavía no se dio. Hace poco, uno de los integrantes del grupo original armó una banda de música y a su primer disco lo titularon La Cofradía de la Flor Solar.
Quien sabe, quizás el espíritu de aquellos años vuelva a florecer.

Maríel Fitz Patríck

Presentación de "La Primera Flor que brotó después de la nevada"

40 años después

La Primera Flor que brotó después de la nevada

Rockandombe y blues del mejor




Daniel Rodríguez- guitarra y voz

Claudio Soldi- bajo

Jorge Cantoni- batería

Claudio Sichini- guitarra

Ignacio Machado- teclados

y artistas invitados


Viernes 21 de noviembre- 21 horas

Teatro Municipal de Ensenada- Ortiz de Rosas y H. Cestino.

Auspicia Dirección de Cultura de Ensenada




Daniel Rodríguez

Claudio Soldi

Jorge Cantoni

Claudio Sichini

Ignacio Machado

Post Atómico

Tras la Guerra de Malvinas, unos cuantos músicos locales, principalmente de Ensenada, volvieron a juntarse para realizar un proyecto singular donde primarían el blues y el rock duro y metálico. Post Atómico iba a ser el resultado del desencanto que producían por entonces no sólo el conflicto bélico sino también la dictadura que tocaba su fin, y esto ellos lo plasmarían muy bien en sus letras, sumándole todo el ingrediente del paisaje urbano.
Todos ellos habían sido parte de algún proyecto anterior en los 70, el vocalista Carlos “Pato” García (Idea y Tonelada), Claudio Soldi (bajista ex La Primera Flor), Jorge Cantoni (batero ex Madera Tallada), Héctor “Panza” Cuevas (guitarrista ex Diluvio) y el guitarrista y vocalista Alejandro Saltalamacchia.

Post Atómico realizaría múltiples presentaciones, sobresaliendo cuando en 1984 fueran teloneros de Pappo en una presentación que el Carpo hiciera en El Cafetal de La Plata, tras la disolución de Riff.
El sonido muy potente donde se podían escuchar dos primeras guitarras muy aceitadas: Saltalamacchia en punteos graves, mientras que Cuevas lo hacía con fraseos agudos. La potencia de la base rítmica en el bajo de Soldi y la batería de Cantoni, se acoplaba a la perfección con la voz grave del Pato García, una especie de Joe Cocker de estos pagos.
Post Atómico llegó a Buenos Aires para grabar, lo hizo, ocho temas espectaculares, pero el disco nunca se editó.

Carlos Mariño- PROGRESIVO Y PERSUASIVO

Carlos Mariño fue en aquella escena original del rock platense un verdadero adelantado, el productor del programa radial Persuasivo por Radio Provincia, y un generador de encuentros entre lo más saliente de los grupos que emergían a nivel local.
Como testimonio de entonces presentamos una nota del Suplemento juvenil del Diario El Día de 1972, y esperamos a su vez encontrarnos con Carlos para charlar y saber mucho más sobre aquel tiempo.



Ya El Suplemento se encargó de contar qua Carlos Mariño (platense,23) fue el inventor formando equipo con Edgardo Rassio del primer programa de música progresiva en todo el país. Ahora, hay que agregar que Carlos se mantiene firme en la idea de promocionar la buena música y que se largará en octubre con la organización de un nuevo recital monstruo y gratuito donde se nuclearán todos los grandes del rock y todos los importantes de La Plata.

"Además -contó- conseguí un material increíble, entre ellas algunas cosas que acá no se conocían, como la grabación (hecha en vivo en el 67) de Procol Harum con la orquesta y coro de Edmon, Canadá", La lista de novedades es larga, baste con mencionar entonces la Suite Geminis, de Jon Lord por Deep Purple con la orquesta Sinfónica de Londres dirigida por Malcolm Arnold, o el Concierto para conjunto y orquesta, también de Jon Lord y también por Deep Purple pero esta vez con la orquesta Filarmónica Real.

"Siempre, por supuesto -comentó- trayendo números en vivo. A partir de septiembre, por ejemplo estará el grupo La Primera Flor que brotó después de la nevada", que viene a ser así el primer conjunto de rock que se contrata para actuar en vivo en una emisora en todo el país.

"Claro que no todas son rosas -explicó- he tenido algunos problemas con la Asociación de Músicos por hacer actuar conjuntos que no están afiliados. Yo me pregunto ¿Qué es lo que se necesita para afiliarse? muchos de estos chicos son principiantes. Además, yo promociono a gente no profesional, amateur, no veo por qué tienen que estar afiliados a la Asociación Profesional".

Otra de las nuevas ideas, siempre con Edgardo Rassio, es la de organizar sesiones gratuitas para escuchar música y continuar con la realización de recítales a beneficio, algunos de ellos próximos a concretarse.

La Primera Flor que brotó después de la nevada.... Rock y blues desde la Ensenada

Cuando nos referimos a la región del Gran La Plata, nunca vamos a dejar de decir que tanto Berisso como Ensenada constituyeron siempre la zona portuaria e industrial de la región, y si bien desde los noventa esto se haya desdibujado bastante, esto no puede obviarse ya que produjo marcas culturales indelebles que impregnarían al rock que irrumpía allá por finales de los sesenta.
El rock en La Plata tuvo un arranque singular aunque existieran por entonces una mayoría de bandas dedicadas al cover cantado en inglés. No dejando de nombrar a la paradigmática Cofradía de la Flor Solar, hubieron otras no tan conocidas, pero de un relieve inusual, aunque muchas de ellas hayan quedado en el olvido, ya que por aquellos tiempos grabar un disco era sencillamente casi imposible sin tranzar con los sellos discográficos para luego hacer música comercial, es decir dejando de hacer lo que venías haciendo.
Emergían por aquel entonces algunas agrupaciones con temas propios y cantados en castellano, como Sol (el trío de Quique Gornatti), La Primera Flor (de Ensenada) y Sol de Barro (un power trío de Berisso). Seguramente que soy muy mezquino nombrando solamente a estos tres grupos, ya que la escena del rock local por entonces fue verdaderamente muy “Grossa”.

Brotando después de la nevada



Cuando los escuché por primera vez allá por el 71, tal vez en el Club YPF o en el Hogar Social de Berisso, este grupo me impactó sobremanera, porque no era solamente rock y blues de gran magnitud, sino que con letras cantadas en español, ellos combinaban un estilo muy afro con ingredientes de candombe, donde la marca cultural de la inmigración caboverdeana muy propia de Ensenada, nos mostraba la emergencia de un rock tremendamente representativo de la zona.
La Primera Flor fue sin dudas una de esas bandas locales que hoy debiéramos considerar como “de culto”, ya que su esencia está en los orígenes míticos del rock platense.
Fue creada en 1971 integrada inicialmente por Claudio Soldi en bajo, Rubén Figóni en 1ra guitarra y voz, Vicente Panattieri en 2da guitarra y voz y Octavio Alonso en batería.
Figóni apenas iniciada la banda emigró hacia otro proyecto y fue sustituido por el “Willy” Daniel Rodríguez.

Festival Persuasivo



Persuasivo fue el primer programa radial de rock progresivo de todo el país, se emitía por Radio Provincia y era conducido por Carlos Mariño y Edgardo Rassio. Ellos realizarían en 1972, el Primer Festival Persuasivo de la música rock en el Teatro Martín Fierro del lago del bosque. Allí entre una treintena de grupos fue que La Primera Flor resultara la ganadora del festival. El premio consistiría en un contrato radial que iba a tener vigencia a partir de julio de ese año.

La Primera Flor además se acreditaba por entonces como parte del Movimiento Progresivo del Sur, una especie de club regional que integraba a todas las bandas progresivas del Gran La Plata. El grupo se disolvería tras la llegada de la dictadura militar, para volver a reunirse nuevamente en los ochenta pero esta vez en formato de trío, integrado por Willy Rodríguez, Claudio Soldi y Jorge Cantóni, en la bata sustituyendo a Octavio Alonso. Realizarían varias presentaciones pero el proyecto no sería duradero.



Hoy después de muchos años la banda volvió a juntarse, estuve en alguno de sus ensayos y estoy convencido que si el proyecto actual se afianza pueden dar mucho de que hablar.
La Formación actual es Daniel Rodríguez en guitarra y voz, Claudio Soldi en bajo, Jorge Cantoni en batería, Claudio Sichini en guitarra, Ignacio Machado en teclados, Lucho Castro en percusión, Adrián de Martín en saxo y María Rapacini en coros soprano.



Nota del diario El Día a la Primera Flor (año 1972)

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El nombre es largo, pero tiene su razón de ser. Un tiempo relativamente prolongado sin poder hacer música como etapa ya superada, está simbolizado en esa primera flor volviendo a nacer después del frío. Y es que desde hace unos seis o siete meses, las cosas cambiaron de rumbo. Un salto donde tiene mucho que ver la formación de un grupo humano homogéneo, unido por similares ideas sobre la música y que hoy forman Claudio Soldi (bajo electrónico, 18); Tito Panattieri (2da, guitarra y voz, 20); Carlos Octavio (batería, 19) y Daniel Rodríguez (1ra. guitarra y voz, 17). Juntos hacen música de rock, música no complaciente, aunque ellos prefieren definir el ciclo que están viviendo como "una etapa de búsqueda en lo progresivo. Estamos buscando un estilo propio".
Claro que la búsqueda no es un impedimento para las realizaciones. Muchas presentaciones en público, algunas actuaciones radiales y un segundo premio en el Festival organizado por YPF.
A todo eso, viene a sumarse ahora el triunfo en el Festival organizado por Persuasivo, un programa radial regenteado por Carlos Mariño y Edgardo Rassio, cuyo premio consistía justamente en un contrato radial que tendrá vigencia a partir de
este mes de julio.
Mientras tanto, La Primera Flor yo se acredita como miembro del Movimiento Progresivo del Sur, una especie de club que nuclea a todos los músicos de la progresiva de La Plata del cual se piensa van a surgir nuevos grupos y donde se va a hacer funda mentalmente "música y relaciones humanas".
"Ahora –dicen- parece que hubiera una revolución en la música, y en La Plata se siente más que en Buenos Aires y en cualquier lugar, del interior. Pensamos que en estos momentos La Plata es el centro del movimiento musical no sólo del país sino también de Latinoamérica: Incluso a nivel público: hay mucho y muy buen público para la música progresiva e n esta ciudad. No hace muchos días, los chicos d e Aquelarre que estuvieron tocando aquí, dijeron que el nuestro es el mejor público del país".

En La Primera flor, todos componen, ellos hacen por lo tanto sus propios temas. "Cantamos en castellano –especifican- porque queremos que todos nos entiendan. La letra juega tanto en el mensaje que se transmite a través de la música. Y, eso sí, nosotros creemos que es real que se puede hacer música pesada en castellano".